31.08. Mother Tongue, MB

www.mothertongue.net

www.moritzbastei.de

01.09. Haram, Insel des Lächelns, Liwi

www.harammusic.com

03.09. Halle D – Grand Opening Vol.1, Werk II

LPZ Allstars & Guests
(Leipzig/Various)

James Yuill
(London/Moshi Moshi)

www.myspace.com/jamesyuill
(Pop Up DJ Team & Guests
(Leipzig/Various)

Einlass: 20:30
Beginn: 21:30

Eintritt: frei!

09.09. Jvlith Krishvn, Orchid of Doom!, Schuppen

Jvlith Krishvn

Orchid of Doom!

Future Islands – Tin Man from Thrill Jockey Records on Vimeo.

16.09. Future Islands, Conne Island

www.myspace.com/futureislands

conne-island

23.09. Bachelorette + The Chap, Conne Island

www.thechap.org

myspace.com/bachelorettepop

conne-island

Am Freitag, dem 27. August 2010 kamen die Herren Bass, Nauber & Lose zusammen, um ihre Lieblingsplatten der vergangenen Wochen zu kredenzen.

Playlist Phonografisches Trio

CD des Monats Herr Delta/Bass

of Montreal - False Priests (Polyvinyl)

1. I feel ya strutter

2. Coquet Coquette

CD des Monats Herr Lose

Jamaica – No Problem (Cooperative)

3. I think I like U 2

4. Jericho

CD des Monats Herr Nauber

I Am Kloot – Sky at night (pias)

5. To the brink

6. It’s just the night

Die Wurstplatte

Maniac Street Preachers – (It’s not war) It’s just the end of love

Stian Westerhus – Music for leaving

Isobel Campbell & Mark Lanegan – Snake Song

Ultrnx – Rockstr

Perfume Genius – Leaving

Casiokids – Gront lys i alle ledd

!!! – The most certain sure

Alarma Man – Cabin in the woods

Sufjan Stevens – I walked

Les Savy Fav – Appetites

Generell: PNG ist jeden zweiten Freitag von 21.00 bis 23.00 Uhr auf Sendung. Im Wechsel finden entweder Das Phonographische Quartett, bei dem vier Redakteure vier aktuelle Veröffentlichungen vorstellen, oder Spezialsendungen zu unterschiedlichen Themen (Labels, Festivals usw.) statt.

Radio Blau In Leipzig: auf UKW 99,2 MHz, sowie: 94,4 MHz & 89,2 MHz (Karte) und 97,9 MHz (primacom Kabel) Online: www.radioblau.de oder gleich im Stream

Bei fast jeder Art Gelärm aus der Garage steht die fast schon philosophische Frage im Raum: Suche oder Versteckspiel? Was oder wen werdet ihr fragen. Na die Melodie, den Groove natürlich. Werden sie verborgen, kaschiert, negiert oder geht es bei allem Drunter und Drüber um das Herantasten, das Herausschälen zarter Strukturen, die Zehen wippen und Becken kreisen lassen? Die erste Hälfte des Album läßt da eigentlich keine Zweifel, sicher auch dank der Produzententätigkeit von Tim Goldsworthy (LCD Soundsystem, The Rapture, Hercules & Love Affair) groovt der Krach aber so was von. Da springt man automatisch auf vom weiß gedeckten Tisch und krümmt sich wild zappelnd in der gute Stube. So sollte es sein! Im zweiten Teil des dritten Album des Duos aus Wiltshire, dem für seine weißen Pferde berühmten Landstrich Englands, wird es ein wenig beschaulicher und experimenteller: Akustikgitarre und Glöckchen erschallen flehend und sehnsüchtig und dann tritt dann doch die bluesige psychedelische Vergangenheit, die live auch gerne mal die  Oberhand gewinnt, auf den Plan.

(Domino/Indigo)

Wie es eben so ist mit der Offenheit auf alle Kanälen – irgendwie cool, aber auch irgendwie zwiespältig. Und wenn es denn etwas gibt, das auf allen möglichen Kanälen verhandelt wird, ist dies Pop (oder meinetwegen auch Popkultur). In allen Erscheinungsformen – Bild, Ton, Style, Attitude und so weiter und so fort – und in allen Diskussionsformen und -farben. Nun ist es ja grundsätzlich eine feine Sache, dass die Auseinandersetzung mit Pop von einem gewissen DIY-Spirit durchsogen war, nach dem man sich durchaus problemlos das Recht herausnehmen konnte, seine Meinung nicht nur zu haben, sondern auch freimütig zu äußern. Eine Welt abseits des elitären Feuilletonistentums, bei dem sich Fachkenntnis auf eine ganz andere Art und Weise zu entäußern hatte, die aber – lustigerweise – auch schon wieder ganz eigene Formen und Vorstellungen von elitären Denken mit sich brachte. Die sich dann aber eben nicht in Form von absolvierten Studienjahren äußerten, sondern sich speisten aus einer Mixtur aus Fantum/Hingabe, Involviertheit und nicht zuletzt aus Bescheidwissen/Background. Gerade letzteres ist (und bleibt wohl auch auf absehbare Zeit) die entscheidende Nagelprobe, an der sich die Grenze zwischen dem „weißen Rauschen“ auf allen Kanälen und jenen Äußerungen, bei denen es sich zumindest für mich lohnt aufzumerken, ziehen lässt. Popkritik braucht keine Ausbildung, dies stimmt. Was aber kein Plädoyer für Kenntnislosigkeit sein soll.

Es gibt da einen Artikel via „Jetzt“ online, dessen Aussage sich im Wesentlichen darauf reduzieren lässt, dass das heilige Abendland wegen der Popkultur im Allgemeinen und den Popmusik-Videos im Besonderen aufgrund allgemeiner Verrohung vor dem endgültigen Untergang steht und ein Zeitalter der vollkommenen Dekadenz droht. So weit, so langweilig. Ich persönlich halte es da mit jenem Autor, der einmal in einer Ausgabe des famosen, leider eingestellten Jahrbuch gewordenen Personen-Bashings „Warum sachlich, wenn’s auch persönlich geht“ einmal äußerte, dass er nunmehr schon seit Jahrzehnten ebenso sehnsüchtig wie vergeblich auf die prophezeite und versprochene Dekadenz warte. Allerdings bietet Franziska Finkenstein mit „Nacktheit, Sex und Blut. Über die Verrohung des Musikvideos“ einen trefflichen Anschauungsunterricht dafür, auf welch schlammige Pfade die Popkritik auf der Basis eines eher unsoliden Halbwissens führen kann. „Im Elektro/Dance Genre war es zuvor eher unüblich, mit extremer Bildsprache zu arbeiten“, wird beispielsweise erklärt (prompt wird ihr dann auch das offenkundigste aller Beispiele mit „Smack My Bitch Up“ in den Kommentaren um die Ohren gehauen). Was herrscht da eigentlich für eine Vorstellung vom „Elektro/Dance Genre“? Was soll ich bitte schön davon halten, wenn die Band Health im höchst anklagenden Unterton geradezu dafür angeprangert wird, mit der Bildsprache von Splatter-Filmen zu agieren? Wir reden hier über Noise-Rock! Über eine musikalische Sparte, die einen nicht gerade geringen Teil ihres wahlweise faszinierenden oder abstoßenden Potential daraus bezieht, absolute Grenzbereiche auszuloten – in jeglicher Hinsicht. Musikalisch, inhaltlich, ästhetisch. Und da sind Health auch mit einem Video wie jenes zu „We Are Water“ in guter Noise-Gesellschaft, wenn ich dann nur mal an die Japan-Fraktion von Hanatarash, Violent Onsen Geisha oder Merzbow denke. Oder an die wackeren Herren von Unsane, die man sich ohne Blut auf dem Cover gar nicht vorstellen kann (und die mit „Scrape“ anno 1995 ein Video über die eher schmerzhaften bzw. nachhaltige Schäden hinterlassenden Seiten des Skateboardens drehten, das es gar bis in die MTV-Rotation schaffte). Von solchen absoluten Grenzgängern wie Genesis P-Orridge und seinem Schaffen von Throbbing Gristle bis Psychic TV möchte man da gar nicht erst anfangen.

Wie gesagt – eigentlich ist das Thema sterbenslangweilig. Das Hantieren mit expliziten, provokanten, schockierenden, nonkonformen Inhalten und Bildern ist so alt wie die Popmusik selbst. Laibach kommentieren beispielsweise musikalisch und ästhetisch den Totalitarismus und bedienten sich entsprechender Symboliken auf eine Art und Weise, die sich eindeutigen Definitionen entzog. Die Melodic-Core-Band Chemical People positionierte sich wiederum absolut eindeutig und unmissverständlich als Hardcore-Porno-Fans (weniger aus Provokation, dies war eher, ähem, ehrlich gemeint) und setzte folgerichtig die Porno-Darstellerin Tajia Rae auf das Cover der zweiten Platte „Ten Fold Hate“ – 1989 wohlgemerkt (und das Beiblatt erst, hohoho. Ja, ich habe diese Platte). Die Schweden-Todesbleier Dismember warteten zwei Jahre später mit dem Song „Skin Her Alive“ auf und posierten auf dem dazugehörigen Backcover von „Like An Ever Flowing Stream“ ordentlichst Kunstblut-überströmt. Aphex Twin aka Richard D. James servierte uns Blasswerdenden im Bunde mit Chris Cunningham ein paar echt verstörende Videos („Come To Daddy“, oh, echt übel, der Stoff), die bis auf den heutigen Tag ziemlich nachhaltig wirken, wie ich als Erfahrung vom Melt! 2010 mitbringen konnte. Was mir als Cunningham-Ästhetik-Gestählten gerade einmal ein Nicken entlockte, wurde vom (jugendlichen! Wohlgemerkt!) Besucherpulk nebenan mit einem erstaunt-entsetzten „Oah, das ist ja ECHT krank!“ kommentiert. Und so weiter und so fort. Die ganz offene und offenkundige Sexualisierung von House könnte man reden. Und über die breite Spur, welche die Splatter- und Gore-Ästhetik durch die Pop-(Musik-)Kultur gezogen hat, könnte Freund Donis mit Sicherheit einen abendfüllenden Vortrag gestalten.

Das ist also ein ganz schön altes Spiel, dieses Spiel mit dem Schrecken, dem Schockierenden, dem Provokanten, dem ganz und gar nicht Gesellschafts- bzw. Konsensfähigen. Und man spielte es aus den verschiedensten Intentionen: Um Aufmerksamkeit zu erregen und damit kommerzielles Potenzial zu erschließen, beispielsweise. Das Modell der „Zehn nackten Friseusen“, der Furz-Klingeltöne, der Ke$ha-Hypersexualisierung und des Rammstein-Pornos. Und um mit dieser Aufmerksamkeit zu arbeiten, Inhalte und Ästhetiken breitenwirksam zu transportieren, Dinge in Frage zu stellen. Das Modell Madonna. Weil man simplen, gerne auch infantilen Spaß daran hat und sich unterm Strich über die Außenwirkung nicht wirklich Gedanken gemacht hat. Das Modell Chemical People oder – etwas neuzeitlicher – Uffie. Weil es einfach dazu gehört wie die Nietenlederjacke. Das Modell Death bzw. Black Metal. Weil man der jeweiligen Ästhetik einfach verfallen ist und aus dem entsprechenden Umgang damit einen künstlerischen Gewinn zieht. Das Modell Noise-Rock/Industrial. Weil man anders sein will. Das Modell Motörhead-Outlaw bzw. Suff-Punk. Weil man anders IST. Das Modell Genesis P-Orridge. Ein Modell-Spielchen, das sich bis ins Unendliche weiter treiben ließe. Es wäre ein bisschen langweilig, wenn man sich jetzt nur an dieser leicht muffigen, dezent verspießert und unbedingt CDU-Mittelstandsvereinigung-geprüft wirkenden Darstellung (oder wie soll man die Reaktionen auf ein gelinde gesagt harmloses Video wie „Kids In Love“ von Mayday Parade sonst auslegen?) abarbeiten würde – es sei denn, man möchte sich daran erfreuen, dass jene Provokationsmechanismen, die bei mir schon seit Jahren nicht mal mehr ein herzhaftes Gähnen auslösen, scheinbar immer noch funktionieren. Marilyn Manson, übernehmen Sie.

Es ist aber schmerzlich, wenn man solche Modelle nicht kennt und sich dennoch berufen fühlt, den großen Gleichmacher rauszuholen. Popkritik hat ja zumindest in meinem Verständnis schon etwas mit Differenzierung zu tun. Ich meine doch, dass man Dinge wie eine popkulturelle Eigeninszenierung, die nach ausschließlich kommerziellen Gesichtspunkten funktioniert, strikt trennen sollte von einer Pop-Ästhetik, die sich beispielsweise in einen politischen/gesellschaftlichen/sozialen Kontext einordnen lässt (wie auch immer dieser geartet sein mag. Ich sage dies bar jeglicher Wertung). Konkret am Beispiel gesagt: Ich finde den Link nicht zwischen Lady Gaga und Xiu Xiu. Ich vermag keinen Zusammenhang zwischen „Alejandro“ und „Dear God, I Hate Myself“ zu erkennen. Was hat die Revue-Inszenierung von Sex, gewürzt ein bisschen Uniformfetischismus und Waffengeilheit sowie einer anständigen Prise popkulturell griffiger Symbolik (dies muss man Stefani Joanne Angelina Germanotta ja mal neidlos zugute halten – dieses Spiel der Symboliken ohne echte Substanz beherrscht sie trefflich) zu tun mit einem Video, das sich auf entwaffnend drastische und mithin intelligente Art und Weise mit Dingen wie Bulimie und/oder Schönheitsidealen auseinandersetzt? Und es tut mir richtig weh, wenn eine schnurgerade Linie gezogen wird von der Bundesfamilienministeriumskompatibilität des „Egoshooter“-Videos zu dem „Born Free“-Film von Romain Gavras, der eine Vision mit hochpolitischer Brisanz transportiert. Es geht mir auf die Nerven, mit so etwas konfrontiert zu werden – es ist mit den Maßstäben der Literaturkritik gemessen ungefähr das Gleiche, als wenn ich Norman Mailers „Die Nackten und die Toten“ auf eine Stufe mit einem x-beliebigen Landserheftchen stellen würde und zwar nur deshalb, weil es in beiden Druckerzeugnissen um den Zweiten Weltkrieg im weitesten Sinne geht. Womit ich wieder beim erwähnten elitären Denken wäre – und wie ich dafür bin, dass sich derlei in der Auseinandersetzung mit Pop bitte schön erhalten möge, ebenso wie der auch schon erwähnte Drang zur Nonkonformität. Damit auf den offenen Kanälen nicht ausschließlich das „weiße Rauschen“ der Gleichmacherei kommt, obwohl sich die Diskussionen über Differenz und Differenzierungen so wunderbar lohnen würden. Mal abgesehen davon, dass sich mit dem „weißen Rauschen“ des „Alles eine Brühe!“ auch nicht mehr herausfinden oder besser gesagt herausdiskutieren ließe, wo die schmale, manchmal kaum wahrnehmbare Grenze liegt zum offenen, ungebremsten Gewaltfetischismus, zum Faschistoiden, zum Rassismus. Dies war ja eigentlich auch mal ein grundlegendes Anliegen von Popkritik „wie wir sie kennen und mögen“ (ähem).

Vielleicht liegt genau darin ja die Chance von jener Popkritik „wie wir sie kennen und mögen“. Und das oft vermisste Abgrenzungspotenzial zur Feuilletonisierung auf der einen und der Trivialisierung auf der anderen Seite. Zwei Ansätze, die ich im Übrigen gleichermaßen anstrengend finde, weil das eine den „Spaßhaber“ in mir beleidigt und das andere den „Bescheidwisser“. Klingt nach irritierender Widersprüchlichkeit, aber genau diese irritierenden Widersprüchlichkeiten machen doch den Reiz von Pop aus, der sich Eindeutigkeiten immer wieder erfolgreich entzieht (siehe Lady Gaga) und damit doch eigentlich jede Menge verschiedener Spielwiesen eröffnet. Spielwiesen für Ästhetik-Debatten beispielsweise. Für das Einordnen in Kontexte, die sich dem erwähnten Nonkonformismus verpflichtet fühlt – in politischer, ästhetischer, kultureller, sexueller, gesellschaftlicher Hinsicht. Für die Diskussion über diese Kontexte und diese Ansätze von Nonkonformismus. Das macht Spaß und da kann uns irgendwie auch keiner folgen. Weder die Trivialen, die gar nicht auf den Gedanken kommen, dass es auch mal um mehr gehen könnte als um enge Hosen, das bißchen Rausch am Samstagabend und ansonsten um jede Menge Ruhm, Kohle und Business. Noch die Feuilletoner, die ernsthaft meinen, man habe Heavy Metal jener Bauart, wie ihn die Formation The Sword spielt, lange nicht mehr gehört und sei damit einer Band auf der Spur, die Black Sabbath und Led Zeppelin beerbe. Puh, dies muss man auch erst einmal sacken lassen (ehe man laut loslacht). Und erst recht nicht all jene, die Popkultur für ein Studienfach halten oder in der Popkritik „wie wir sie kennen und mögen“ so etwas sehen wie den Kulturjournalisten mit dem Habitus des distanzierten „Bescheidwissers“ und Vorkosters. Nönö, liebe Leute, da hat schon wieder einer nichts verstanden: Über Kulturjournalismus lachen wir nur. Das mit dem Bescheidwisser nehme ich immerhin gerne als Ehrenbezeichnung an, nur diese Sache mit dem „distanzierten“ überlassen wir lachend mal schön dem Kulturjournalismus (wobei ich übrigens eher den zitierten Herrn Porombka als weniger den Autor an sich meine; der Artikel selbst hat so einiges Bedenkenswertes).

By the way: Ich will hier nicht mal in dieses Horn tröten, auf dem „typisch Holzmedien“ steht; von wegen Süddeutsche Zeitung und so. Es ist meist ein unschönes Geräusch, das diesem entweicht (was ein anderes Thema ist, über das an dieser Stelle mit Sicherheit auch noch zu reden sein wird). Und zudem sind die gespielten Lieder oft auch noch grundlegend falsch – wie in vorliegenden Beispiel. Eigentlich sollte man nach dem Abklopfen des Backgrounds meinen, die Autorin wäre irgendwie eine von den Guten (oder wahlweise Bösen, ganz nach Lust und Laune). Zumindest denke ich dies, wenn ich mir mal durchlese, was der Blog aufgemischt.com, an dem sie als „Gründungsautorin“ mitwirkt, als Selbstbeschreibung auftischt. „aufgemischt!com begreift sich als ein unabhängiges, nichtkommerzielles, deutschsprachiges DIY Onlinemagazin für kreative und innovative Musik aus aller Welt. Nachdem Ende 2007 das erste Interview geführt wurde, entstand im Frühjahr 2008 die erste Version von www.aufgemischt.com, der im März die derzeitige WordPress-Version folgte. die bis heute kontinuierlich weiterentwickelt wird. Seitdem ist aufgemischt! ein Blog. September 2009 gewann aufgemischt! den Dazed Digital RAW Blog Award 2009 in der Kategorie “Music”.“ Gerade deshalb ist die Kenntnislosigkeit, der vollkommen fehlende Background, das hochgradig ausgeprägte Unverständnis dafür, warum Menschen Musik (und damit auch Texte, Videos usw. usf.) außerhalb kommerzieller und monetärer Ambitionen machen, die totale Abwesenheit eines wie auch immer gearteten Pop-Nonkonformismus so erschreckend.

Noch mal btw: Offenbar hat der Beitrag nicht nur mich schwer genervt.

Neubeginn, Bruch sind so Vokabeln mit denen “Love Forever” angepriesen wird. Im Vergleich zum ruppigeren selbstbetitelten natürlich. Nun ja, ganz von der Hand weisen läßt sich das nicht ganz, auch wenn die Evolution nicht ganz so große Schritte macht. Völlig ist der Mathpunk nicht verschwunden. Ihre HC-Sozialisation werden sie trotzdem nicht los solange derart energisch an den Saiten geschrappt, so druckvoll die Felle gegerbt werden und man auch im vokalen gelegentlich in alte Schemata zurückfällt. Was aber noch lange nichts negatives sein muss, verleiht es der Musik immer noch etwas aufmüpfiges, ungestümes, bauchgesteuertes, urgewaltiges, ungeschliffenes. Doch vor allem Letzteres kann man dem neuen Werk nicht durchgängig attestieren. In den Arrangements hat sich da einiges getan, Bläser, Männerchöre, Finesse, auch mal federnd schwebende Gitarrenmelodien und ein nicht zu verhelender Blinzler gen Pop. da darf es auch mal eine Hitsingle, ein Ohrwürmchen wie “Cabin In The Woods” oder der fulminate Opener “Pitch Grammar” sein. Klar: Sonic Youth, New Wave lassen grüßen und an mancher Stelle auch so etwas wie die Blood Red Shoes. Doch dieser Gedanke Gedanke verfliegt rasch. Spätestens beim nächsten Stück: mehr Abwechselung! Und live? Auch immer ein Tipp!

Liebe auf ewig: Fernziel, Fata Morgana, Verheißung… Es lebe die Evolution!

(Sinnbus/Rough Trade)

Am Freitag, dem 30. Juli 2010 kamen die Herren Bass, Nauber Lose & Jensor zusammen, um ihre Lieblingsplatten der vergangenen Wochen zu kredenzen.

Playlist Phonografisches Quartett

CD des Monats Herr Lose

Danger Mouse & Sparklehorse – Dark Night Of The Soul (Parlaphone)

1. Little Girl

2. Grim Augury

3. Dark Night Of The Soul

CD des Monats Herr Jensor

Donna Regina – The Decline Of Female Happiness (Karaoke Kalk)

4. Last Love

5. Perfect Stranger

CD des Monats Herr Delta/Bass

Tired Pony – The Place We Ran From (Cooperative Music)

6. Dead American Writers

7. I Am A Landslide

CD des Monats Herr Nauber

Zola Jesus – Stridulum II (Souterrain Transmissions)

8. Trust Me

9. Sea Talk

Die Wurstplatte

10. Sun Kil Moon – You Are My Son – Herr Lose

von Admiral Fell Promises (Caldo Verde)

11. Hurts – Wonderful Life (Freemasons Club Mix) – Herr Delta/Bass

12. Mount Kimbie – Would Know – Herr Jensor

von Crooks & Lovers (Hotflush Rec.)

13. Black Cab – After The War – Herr Nauber

von Call Signs (Laughing Outlaw)

Generell: PNG ist jeden zweiten Freitag von 21.00 bis 23.00 Uhr auf Sendung. Im Wechsel finden entweder Das Phonographische Quartett, bei dem vier Redakteure vier aktuelle Veröffentlichungen vorstellen, oder Spezialsendungen zu unterschiedlichen Themen (Labels, Festivals usw.) statt.

Radio Blau In Leipzig: auf UKW 99,2 MHz, sowie: 94,4 MHz & 89,2 MHz (Karte) und 97,9 MHz (primacom Kabel) Online: www.radioblau.de oder gleich im Stream

Donna Regina ist auch wieder einmal so eine Band, die mich inzwischen seit ewigen Jahren begleitet. Und dies nicht nur gefühlt oder so. Ich hab‘ im Plattenschrank spaßenshalber mal nachgesehen: “Almaty” war die erste Platte von Regina und Günther Janssen, die ich mir zugelegt hatte. 1993 oder 94 muss dies so gewesen sein. Nein, ich besitze nicht alle Veröffentlichungen, dies sind ja mittlerweile mit “The Decline Of Female Happiness” auch schon elf Fulltime-Platten, und nein, ich war auch nie einer von diesen Junkies, die permanent eine wahnwitzige Gier nach Donna Regina-News hatten. Oder einer von denen, die sofort in den Laden gerannt sind, wenn eine neue Veröffentlichung am Start war. Aber wenn mir die Platten irgendwo und irgendwie mal untergekommen sind, habe ich sie immer mitgenommen. Und ich habe es niemals bereut, Geld für Dinge wie “Follow The Sea”, “A Quiet Week In The House”, “Northern Classic” oder “Slow Killer” ausgegeben zu haben. Weil Donna Regina auf eine Verbindung aus Song und Track, aus analog und digital, aus Pop und Songwriting geknüpft haben, die mich immer tief beeindruckt hat – gekickt geradezu, wenn man dies in diesem Kontext überhaupt so sagen kann. Eine Verbindung, die tatsächlich auch eine deutliche Einzigartigkeit besitzt. “Unique-Sein” hat dies vor vielen, vielen Jahren mal Oliver Obert von Sportsguitar genannt: Das Bestreben, einen Sound zu kreieren, zu entwickeln, zu definieren, der erkennbar und identifizierbar ist. Der zugeordnet werden kann. Personalisiert werden kann – in diesem konkreten Fall namens “The Decline Of Female Happiness” auch beim elften Male bei Donna Regina.
Irgendwo habe ich zu dieser Platte gelesen: “Es ist der Soundtrack, der spielt während man im französischen Landhaus den Lavendel stutzt oder sich die Nägel auf der Terrasse lackiert.” (Genauer gesagt habe ich dieses Statement genau hier gefunden. Und gerne wird auch (siehe Wikipedia), dass es sich bei Donna Regina um Elektronik-Pop handele. Dies kann man beides auf den allerersten Blick durchaus so sehen, aber es sind irgendwie Aussagen, die mithin Missverständnisse erzeugen können. Erstere impliziert eine Belanglosigkeit, die einfach nicht drinsteckt in diesen zehn Stücken/Songs von „The Decline Of Female Happiness“. Dies hier ist kein Bessergestellten-Listening, no way. Dies will nicht einfach so vor sich hin blubbern. Dies will etwas sagen. Etwas mitteilen. Punkt 1. Und die erwähnte Style-Kategorisierung könnte ohnehin vollkommen in die Irre führen, wenn man sich Elektronik-Pop in einer Weise vorstellt, die eine Menge mit Tanzen oder ähnlichen Euphorie-Effekten zu tun hat. Die Tanzbarkeit war schließlich nie die Sache von Donna Regina, auch wenn man der ganzen Sache einen beeindruckenden Groove nicht absprechen kann. Ebenso wie eine Affinität zu jenem elektronischen Track-Prinzip, die sich für mich vor allem in der “Beat-Arbeit” von Günther Janssen äußert. Die wiederum (wir haben es hier schließlich mit einer Sache zu tun, bei der viele solche Elemente wie in einem grandiosen Uhrwerk ineinander greifen) in „uniquer“ Form mit einem höchst analogen, hier auch schon wieder geradezu klassisch inspirierten Umgang mit Instrumenten wie Gitarre und Piano verbunden wird. Dabei haben die Beiden eine Perfektion erreicht, die auch die elfte Platte auszeichnet. Diese Sorgfalt! Kein Wunder, dass dann der Titelsong oder “Perfect Stranger” so trefflich funktionieren, sich festsaugen im Ohr. Es sind Melodielinien, die ich nicht so schnell wieder los werde (was ich dann unterm Strich auch mit dem “kicken” meine; was kann einen besser kicken als ein Song, den man den ganzen Tag einfach vor sich summt, singt, pfeift usw. usf.). Es geht um Nachhaltigkeit gewissermaßen, wieder so ein bestimmendes Markenzeichen von Donna Regina – auch diese Platte wird eine von denen sein, die ich immer mal wieder raushole und anhöre, wenn mir einfach nach etwas Schönem ist. Denn auch wenn dieses Wort Schönheit in seinem inflationärem Gebrauch abgenutzt erscheint, es passt hier einfach wunderbar – viel besser als die Begriffe Melancholie oder Tiefe oder Verträumtheit oder so, die sonst ganz gerne benutzt werden, aber eigentlich eher unscharf sind und deutlich machen, wie schwer sich diese Musik außerhalb von Feuilleton-Klischees und irgendwie unzureichenden Plattitüden beschreiben lässt.
Natürlich ruht dies alles dann doch nicht so redundant in sich wie sich dies angesichts meiner Vorrede jetzt anhört. Donna Regina wissen sich schon immer wieder zu differenzieren, zu verändern – “unique” hin oder her. Auch wenn die Trademarks erkennbar sind, zum Beispiel die Stimme von Regina Janssen, die ich – sträflicherweise! – hier noch gar nicht erwähnt habe, “The Decline Of Female Happiness” fühlt sich trotzdem anders an als die – mir bekannten, wohlgemerkt – Vorgänger. Vielleicht, weil die Wärme und Erfahrenheit, die in dieser Musik steckt, von Selbstzweifeln immer wieder angekratzt wird. Von dem Wissen um solche Dinge wie Älterwerden, Einsamkeit, Sehnsucht. Was unbedingt für die Klugheit von Donna Regina spricht – eine Klugheit, die permanent spürbar ist und dies nicht nur, weil sich der Plattentitel auf eine Studie namens “The Paradox of Declining Female Happiness” von Betsey Stevenson und Justin Wolfers bezieht.

Ach ja, erschienen ist dies erneut auf dem Label Karaoke Kalk, dessen Schaffen ich an dieser Stelle auch gerne mal in höchsten Töne loben möchte.

www.myspace.com/donnaregina
www.karaokekalk.de

Chloé – One In Other

Chloé Thevenin ist eine, die uns Clubhasen dieser Erde schon durch viele schöne Nächte geholfen hat, als hoch geschätzte DJane, aber auch als Musikern und Produzentin. Denn seit 2002, seit der EP „Erosoft“ hat man Chloe auch auf dem Schirm, wenn es um den Pop im Techno geht – schon diese fünf wunderbaren Song-Tracks zeigten auf, was diese Frau zu schaffen imstande ist. Der nächste große Schritt, das Album-Debüt „The Waiting Room“ von 2007, machte die Tür dann richtig weit auf in Richtung einer Welt, die zwar elektronisch geprägt ist, sich aber mit der nackten Funktionalität des Dancefloor nicht zufrieden geben möchte. „One In Other“, die neue Platte von Chloe, geht entschlossen noch ein ganzes Stück weiter – in Sachen „Kill The Clichés“, wie es im ersten Satz ihrer Biografie (zu finden unter www.dj-chloe.com) gewissermaßen als Schlachtruf formuliert ist.

„One In Other“ ist ein wunderschön funkelndes Juwel. Ein prachtvolles Stück Vielschichtigkeit, Grenzen aufreißend, regelrecht Grenzen sprengend. Da ist alles drin, was mir so wunderbar ans Herz gewachsen ist: Die Melodiöse von Pop ebenso wie das Reduzierte von Minimal, die raumgreifende Psychedelic ebenso wie das Repetive des Krautrock, vermengt mit einer unwiderstehlichen, elektrifizierten Funkiness. Die mächtigen Basslines hat sie zudem aus dem Club mitgebracht: Ohnehin schwingt ein tiefsinniges Dancefloor-Verständnis permanent auf das Wunderbarste mit, ohne sich – wie schon erwähnt – dabei auf pure Funktionalität eindampfen zu lassen. Funktional ist diese Platte in keinster Weise, was sie aber nicht daran hindert, einen faszinierenden Groove zu finden, der einen dann doch wieder ans Tanzen denken lässt, unter 120 bpm hin oder her. Der Punkt ist: „One In Other“ lässt sich einfach nicht kategorisieren. Auch ums Verrecken nicht als Chill-Out- oder Café del Mar-Mugge, dafür verhakt es sich viel zu sehr in den Gehörgängen, um als belangloses Bessergestellten-Listening, das ja in erster Linie keinem weh tun möchte, durchgehen zu können. Dies ist ja immer das Beste, was man von Musik sagen kann. In diesem speziellen Falle äußert sich dies auch darin, dass hier nichts aufgesetzt wirkt. Oder an den Haaren herbeigezogen. Der Crossover findet hier unter der Oberfläche statt, im Sinne einer wirklichen Verschmelzung, die dann auch plötzlich irgendwo zwischen Tortoise und Velvet Underground enden kann. Und Mut hat diese Frau auch noch, wie wunderbar sie es beispielsweise schafft, das klassische Techno-Element des Repetierens, der Wiederholung einzuflechten in diese Song-Tracks und zwar eben auch ganz klassisch bis an jene Grenzen, an denen sich die Geister scheiden zwischen faszinierend und langweilig. Dann wäre da auch noch dieser Humor, dieses ebenso herzliche und tiefgründige Grinsen, das da drinnensteckt in einigen von diesen Stücken; nicht ganz zu Unrecht wurde mal in einer Rezension darauf hingewiesen, dass „One Ring Circus“ fast schon wie eine Persiflage von Techno klingt.

All diese Begeisterung meinerseits schöpft sich mit Sicherheit auch aus der Tatsache, dass Cloé Thevenin eine faszinierende Frau ist. Seit frühester Kindheit ist sie eng mit Musik verbunden, die englische Mutter war selbst DJane und hat dieses Interesse stets gefördert. Dann gibt es diese Verbindung zu der queeren Pariser Clubkultur um das einstige Le Pulp, aus der auch Jennifer Cardini kommt. Oder die Bindung zum Label Kill The DJ, das als Sublabel von Tigersushi solch schillernde Persönlichkeiten wie Joakim, Ivan Smagghe oder erwähnte Jennifer Cardini vereint. Oder die Tatsache, dass sie für sich feststellt, es sei entscheidend, das eigene Tun, gar das eigene Umfeld permanent in Frage zu stellen. Und dass Chloé Thevenin auch schon mal sagt, das Wichtigste über sie sei ihrer Musik zu entnehmen.

(Kill The DJ)

Um es gleich mal vorn anzustellen: A U S V E R K A U F T ! Zumindest was das offizielle Kartenkontigent von 5000 Stück anbelangt. Nur via Tausch- und Auktionshandel gelangt man noch an die wahrhaft raren Billetts. Und das hat seinen Grund.

Unterhält man sich mit mit musikaffinen Mitbürgern, die Folk, Singer-/Songwriterzeugs, Britpop oder ehrlicher geradliniger Rockmusik alter Schule nicht abgeneigt sind, verläuft das Gepräch, je nachdem, ob das Gegenüber das kleine Festival schon einmal besucht hat, in zwei vorgestanzten Bahnen:

1. “Ach, das Haldern, da müßte man auch mal wieder hin. Schluchtz. Damals: Belle & Sebastian, Divine Comedy, Saint Thomas, Fleet Foxes, Foals, Cardigans, William Fitzsimmons, Saybia, Soundtrack Of Our Lives… und überhaupt: in diesem unserem Lande gibt es kein besseres, kein gemütlicheres Festival.”

2. “Aha? Wie heißt das nochmal? Wo muss man da hin? An den Niederrhein? Fast Holland? Waaaas? Die spielen da alle dieses Jahr dort? Beach House, The Low Anthem, Efterklang, Seabear, Frightened Rabbit, Micachu & The Shapes, Rox, Beirut, Fanfarlo… Scheiße! Gibts da noch Karten? Habt ihr noch ‘n Platz frei?

Und das wechselseitige Namedropping, das losbricht, wenn zwei Stammgäste aufeinanderprallen erspar ich mir und Euch mal an dieser Stelle. Die Qualität machts halt. Super Örtlichkeit, mit dem von grünen Bäumen umstandenen Alten Reitplatz neben dem Dorftümpel, der auch ein erfrischendes Bad offeriert, ein freundliches größtenteils freiwillig mitwirkendes Personal aus dem Ort und der Umgebung, das einträchtige Miteinander, als wär man zufällig auf das große Klassentreffen der letzten hiesigen 26 Schuljahrgänge geraten und dann ist natürlich das feine Näschen der Organisatoren  für Künstler und Musik, das den entscheidenden Unterschied macht. Klasse statt Masse. Nur zwei Bühnen, kein Hektisches Hin und Her, keine langen Wege. Klasse statt Masse. Neuentdeckungen statt hundertprozentige Sicherheit, wobei sich natürlich auch im angepeilten Spektrum immer Acts finden, die eine breitere Masse ansprechen. Naja in der Vergangenheit gab es auch mal für Vertreter der reinen Lehre etwas abwegige Buchungen, die aber ob des Publikumszuspruchs auch wieder gerechtfertigt schienen: Fettes Brot, Jan Delay, Sportfreunde Stiller. Na vielleicht stört sowas wirklich nur den größten Pedanten. Doch zurück zu diesem Jahr: Derartiges fehlt und ich seh seh uns schon: Tränen in den Augen, nach drei Zugaben von The National in die nacht verabschiedet zu werden. Da schwant Großes. Im Kleinen  bin ich gespannt auf stornaway, die eine hervorragende Platte vorgelegt haben. Mumford & Sons, die wir im letzten Jahr verpasst haben. Kannte damals noch Keiner. Wie so oft fand das Konzert in Haldern vor Veröffentlichung des Tonträgers und der zugehörigen Presse- und Blogbetrachtung statt. Ein Phänomen, dass mittlerweile ebenso zum Festival gehört. Künstlerinnen und Künstler kann man da auf dem flachen Lande entdecken, über die im Verlauf des nächsten Jahres noch viel gesagt und geschrieben wird.

Kleiner feiner Unterschied zum letzten Jahr: die musikalische Bandbreite fällt wieder etwas abwechselungsreicher aus, die Vollbart- und Flanellhemdfraktion war 2009 schier übermächtig. Da konnten The thermals, die BLK JKS und Health fast nicht dagegen anspielen. Und die arme kleine christina wirkte wie ein kleines blondes Alien auf der Bühne des alten Spiegelzelts. Little Boots stand im Pailettenkleid und High Heels etwas verloren vor einer Horde verschwitzter, verstaubter Menschen in Feinripp, Baumwolle und Sandalen. Ein super Konzert wars trotzdem. Na diesmal ist mit den Blood Red Shoes, Dan Deacon, Rox, I Blame Coco, Detroit Social Club, Delphic und nicht zuletzt mit Yeahsayer ordentlich für Abwechslung gesorgt. Und wer weiss, bestimmt tauchen auch in den Jahresbestenlisten von 2010 wieder jede Menge Haldern-Bands auf. Da bin ich mir sicher. Kontinuität fetzt! Da weiss man, was man hat. Guten Abend!

12.-14. August 2010, Rees-Haldern… man sieht sich.

www.haldern-pop.de

www.haldern-pop.tv

Das komplette Lineup:

Beach House (US) (Spiegelzelt)
Bear in Heaven (US) (Spiegelzelt)
Beirut (US)
Blood Red Shoes (UK)
Chapel Club (UK) (Spiegelzelt)
Cymbals Eat Guitars (US) (Spiegelzelt)
Dan Deacon (US) (Spiegelzelt)
David Ford (UK) (Spiegelzelt)
Delphic (UK)
Detroit Social Club (UK)
Efterklang (DK)
Esben and the Witch (UK) (Spiegelzelt)
Everything Everything (UK) (Spiegelzelt)
Fanfarlo (UK)
Frightened Rabbit (UK)
Fyfe Dangerfield (UK) (Spiegelzelt)
Gary (GER/AUT/CH) (Haldern Pop Bar)
Helgi Jonsson (IC) (Spiegelzelt)
I Blame Coco (UK) (Spiegelzelt)
Isbells (BE) (Haldern Pop Bar)
Junip (SE) (Spiegelzelt)
Laura Marling (UK) (Spiegelzelt)
Micachu & The Shapes (UK) (Spiegelzelt)
Mumford & Sons (UK)
Nils Frahm (GER) (Studiosession @ Studio Keusgen)
Portugal.The Man (US)
Post War Years (UK) (Spiegelzelt)
Rox (UK)
Seabear (ISL) (Spiegelzelt)
Serena Maneesh (NO)
Sleepy Sun (US) (Spiegelzelt)
Sophie Hunger (CH)
Stornoway (UK) (Spiegelzelt)
The Black Atlantic (NL) (Haldern Pop Bar)
The Low Anthem (US) (Spiegelzelt)
The National (US)
The Tallest Man on Earth (SE)
The Whale Watching Tour with Nico Muhly, Ben Frost, Valgeir Sigurdsson, Sam Amidon(ICL/US) (Spiegelzelt)
Thus:Owls (SE) (Spiegelzelt)
Triggerfinger (BE)
Villagers (IRL) (Spiegelzelt)
Wendy McNeill (SE) (Spiegelzelt)
Yeasayer (US)
Young Rebel Set (UK)

Lass rocken, Alter! Die ausgesprochene Affinität, die in PNG-Kreisen betreffs des South Of Mainstream-Festivals fleißig gepflegt und gehegt wird, sollte inzwischen aufgefallen sein. Deshalb kriegen wir uns auch kaum ein, dass es anno 2010 eine vierte Auflage geben wird, keine Frage – und der entsprechenden Freude verleiht Herr Jensor heute gerne via Radio Ausdruck. Zwei Stunden lang wird er sich durch das Line-Up des 3. und 4. September wühlen und dabei allerlei Frischkost auftischen: Immerhin haben Bands wie The Antikaroshi, Rotor, Beehoover, Ufomammut oder Scott Wino Weinrich neue Veröffentlichungen entweder schon am Start oder stehen hauchzart vor der Zündung. Selbstredend dürfen die hauseigenen Faves von BulBul bis Dÿse, von Ulme bis Black Shape Of Nexus, von Tarentatec bis COR, von Don Vito bis Shepherd (hell yeah, Freund Kanzler!) nicht fehlen. Immer feste druff! Und man sieht sich im September in Stolzenhain (OT Schönewalde! Beachten bei der Anfahrt!).

Die Playlist

1. Wino – Iron Horse (von “Adrift”/Exile On Mainstream)

2. Black Shape Of Nexus – Snippet VI (von “Live In Mannheim”/Selbstveröffentlichung)

3. Dyse – Festung (von “Lieder sind Brüder der Revolution”/Exile On Mainstream)

4. The Winchester Club – But There Is No Space (von “Britannia Triumphant”/Exile On Mainstream)

5. Don Vito – DSDNPolkaDianaH (von “IV”/Discorporate Records)

6. Rotor – Gnade dir Gott (von “4″/Elektrohasch Schallplatten)

7. Astrosoniq – Cloud Of Decay (von “Quadrant”/Space Jam/Exile On Mainstream)

8. Shepherd – Times (von “Laments”/Exile On Mainstream)

9. Beehoover – Sultana (von “Concrete Catalyst”/Exile On Mainstream)

10. UFOMAMMUT – Tracks 3 und 4 (von “Eve”/Supernaturalcat)

11. Darsombra – Thinning The Herd (von “Ecdysis”/At A Loss)

12. BulBul – Daddy Was A Girl I Liked (von “BulBul”/Exile On Mainstream)

13. Tarentatec – Tractor Beam (von “The Candy And Springtime Experience”/Discorporate Records)

14. The Antikaroshi – Josef (von “Per/Son/Alien”/Exile On Mainstream)

15. End Of Level Boss – Words Have No Meaning (von “Inside The Difference Engine”/Exile On Mainstream)

16. COR – Trashrock Terror (von “Seit ich die Menschen kenne, liebe ich die Tiere”/Rügencore)

17. Ulme – Clonus (von “The Sea In Me EP”/Nois-O-Lution)

18. Wino – Gods, Frauds, Neo-Cons And Demagogues (von “Punctuated Equilibrium”/Southern Lord)

19. BulBul – Lack Of The Key (von “BulBul”/Exile On Mainstream)

Generell: PNG ist jeden zweiten Freitag von 21.00 bis 23.00 Uhr auf Sendung. Im Wechsel finden entweder Das Phonographische Quartett, bei dem vier Redakteure vier aktuelle Veröffentlichungen vorstellen, oder Spezialsendungen zu unterschiedlichen Themen (Labels, Festivals usw.) statt.

Radio Blau In Leipzig: auf UKW 99,2 MHz, sowie: 94,4 MHz & 89,2 MHz (Karte) und 97,9 MHz (primacom Kabel) Online: www.radioblau.de oder gleich im Stream