Das erste Phonographische im neuen Jahr beginnt gitarrenlastig! Im Fokus diesmal: Guided by Voices “Let’s go eat the factory”, The Maccabees “Given to the wild”, All the Saints “Intro to fractions” und Team Me! “To the treetops”.  Im Anschluss gibts wie immer Wurst.

Playlist:

01. All The Saints – Half Red, Half Way von “Intro To Fractions” (Souterrain Transmissions)

02. All The Saints – 4H Trip

03. All The Saints – Host

04. Guided By Voices – Doughnut For A Snowman von “Let’s Go Eat The Factory” (Fire Records/Cargo Records)

05. Guided By Voices – Waves

06. Guided By Voices – The Unsinkable Fats Domino

07. The Maccabees – Pelican von “Given To The Wild” (Fiction Records)

08. The Maccabees – Go

09. Team Me – Riding My Bicycle (From Ragnvaldsbekken To Sorkedalen) von “To the Treetops !” (Propeller Recordings As/Soulfood)

10. Team Me – Show Me

Die Wurstplatte:

11. Birds Of Passage – Disaster Of Dreams von “Winter Lady” (Denovali)

12. Sport – Der Tod Singt Den Blues von “Aus der Asche, Aus Dem Staub” (Strange Ways)

13. Kraftklub – Songs Für Liam von “Mit K” (Vertigo Berlin/Universal)

14. Kavinsky & Lovefoxxx – Nightcall von “Drive O.S.T.” (B1 Recordings/Universal)

15. Hundreds/Bodi Bill – Machine von “Variations” (Sinnbus/Rough Trade)

16. Trailer Trash Tracys – Candy Girl von “Ester” (Double Six/Domino)

Freitag , 27.01., 21 Uhr @ Radio Blau & Samstag, 04.02., 23 Uhr @ Radio Corax

Generell: PNG ist jeden zweiten Freitag von 21.00 bis 23.00 Uhr auf Sendung. Im Wechsel finden entweder Das Phonographische Quartett, bei dem vier Redakteure vier aktuelle Veröffentlichungen vorstellen, oder Spezialsendungen zu unterschiedlichen Themen (Labels, Festivals usw.) statt.

Radio Blau In Leipzig: auf UKW 99,2 MHz, sowie: 94,4 MHz & 89,2 MHz (Karte) und 97,9 MHz (primacom Kabel) Online: www.radioblau.de oder gleich im Stream

Auf Radio Corax, dem freien Radio in Halle/Saale laufen einmal im Monat samstags 23.00 Uhr ausgewählte Sendungen. Hier gehts zum Strom.

KTL / 3.2. / Centraltheater, Leipzig

Former Ghost / 27.2. / Skala, Leipzig

Matthew Dear / 10.3. / Haus Auensee, Leipzig

31Knots / 4.5. / UT-Connewitz, Leipzig

Cpt. Trunk / 7.5. / Noisefest, Zoro, Leipzig

Dead Western / 13.5. / La Familia Y Amigos, Conne Island, Leipzig

PTTRNS / 14.5. / La Familia Y Amigos, Conne Island, Leipzig

Skeletons / 14.5. / La Familia Y Amigos, Conne Island, Leipzig

Turn To Crime + freiwilliger Saitenzupfer / 29.5. / The Needle And The Damage Done Record Store, Leipzig

Chain & The Gang / 10.6. / Zoro, Leipzig

Schnaak / 16.6. / UT-Connewitz, Leipzig

P.J. Harvey / 30.6. / Arena, Roskilde Festival

The Raveonettes / 1.7. / Orange, Roskilde festival

Ghost / 1.7. / Odeon, Roskilde Festival

Pulled Apart By Horses / 3.7. / Pavillion, Roskilde Festival

Battles / 5.7. / Conne Island, Leipzig

Patrick Wolf / 16.7. / Melt! Festival, Gräfenhainichen

Pulp / 17.7. / Melt! Festival, Gräfenhainichen

Moddis Zuschauer / 11.8. / St. Georg, Haldern

Nils Frahm & Anne Müller / 12.8. / Spiegelzelt, Haldern Pop Festival

Timber Timbre / 13.8. / Spiegelzelt, Haldern Pop Festival

My Brightest Diamond / 13.8. / Spiegelzelt, Haldern Pop Festival

Fleet Foxes / 13.8. / Hauptbühne, Haldern Pop Festival

Enablers / 15.9. / UT-Connewitz, Leipzig

CSS / 9.9. / Berlin Festival

Primal Scream / 9.9. / Berlin Festival

Drömdead / 24.9. / Zoro, Leipzig

Zola Jesus / 1.12. / UT-Connewitz, Leipzig

Und wer sich vom Rest selbst ein Urteil bilden will sei auf unseren Flickr-Account verwiesen. Oder für den schnellen Überblick hier alle Alben:

“Without The World”, das Debüt der Neuseeländerin Alicia Merz vom Anfang des vergangen Jahres, ließ schon aufhorchen. Ein düsterer Liederreigen, der melancholieanfällige Hörer tief in seinen Bann sog, ein Werk von beeindruckender Konsequenz und Homogenität. Auf “Winter Lady” nun wird dieser rote Faden weitergesponnen, dunkle Ecken in Realität und Traum schemenhaft beleuchtet. Die Gitarre hört man nur noch selten, das Klaviergelegentlich und ansonsten schälen sich die Melodien nur mühsam aus dem Nebel, den Feldaufnahmen oder/und Orgelklänge formen. Doch im Gegensatz zum in sich gekehrten, fast schon jenseitigen Vorgänger reißt hier die Wolkendecke schon mancmal auf. Heller wird es deshalb zwar noch nicht, aber man kann in klarer Nacht den Sternen beim Funkeln lauschen.
Aber vielleicht rede ich mir das auch nur ein…

(Denovali Records/Cargo Records)

PS: Als Zugabe erscheint der Song “Highwaymen In Midnight Masks”, eine Kollaboration mit Aiden Baker von Nadja, paralell als 10″ mit dem ansonsten unveröffentlichten “Forbidden Love” als Zugabe.

www.birdsofpassagemusic.com
www.denovali.com/birdsofpassage
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Omega Massif sind die, ähem, args, ööööhhh. Ja, die “Was” des Doom Metal sind die nun eigentlich? Es ist so eine Sache mit den flott aus der Hand geschüttelten Vergleichen, den flapsigen Namedroppings, den locker konstruierten Brücken zwischen unterschiedlichen Styles und Attitudes. Die flotten, flapsigen und lockeren Versuche sind in aller Regel nicht viel mehr als gut gemeint (wobei natürlich jeder weiß, dass dies das genaue Gegenteil von gut ist), sobald man anfängt, darüber nachzudenken, wird‘s kompliziert. Und schwierig. Und inhaltsschwer. Tja, finde mal ein wirklich treffliches Pop-Äquivalent zum Omega Massif‘schen Doom-Entwurf. Wer jetzt mit dicken Namen wie Depeche Mode oder Pet Shop Boys um sich wirft, zeigt nur – er hat nix verstanden. Weder das eine noch das andere. Klar klingt das prima: Omega Massif sind die Pet Shop Boys des Doom. Sind sie aber nicht. Vielleicht Zoot Woman, wie mir nach wirklich langem Überlegen in den Sinn kam. Denn wir brauchen hier ein Äquivalent, das sich ähnlich wie Omega Massif in den durchaus eng abgesteckten Grenzen des bewußt gewählten Stils bewegt ohne auch nur einen winzigen Funken an Relevanz oder gar Qualität einzubüßen. „Karpatia“ ist ein wahrhaft beeindruckendes Monument dafür, dass man eben diese Relevanz und Qualität erreichen kann, ohne sich einem wie auch immer gearteten Crossover-Prinzip zu unterwerfen, ohne das Anrennen gegen Genregrenzen, ohne Brückenschlagen und ohne die Illusion einer hochfliegenden Vision. Der Begriff „Bodenständigkeit“ hat nun nicht gerade die beste Reputation in musikreflektierenden Kreisen – meistens zu Recht, hier aber nun mal vollkommen zu Unrecht. Omega Massif sind bodenständig im wirklich allerallerallerallerbesten Sinne. Durch Konsequenz, durch Streben nach Perfektion und durch das Gefühl für Groove.

Ein bißchen erstaunt bin ich ja, dass es offenbar allerlei Unstimmigkeiten betreffs der stilistischen Einordnung der Band zu geben scheint. Sie selbst bezeichnen sich als „Instrumental Downtempo Band“, was ich durchaus als Synonym zu „Doom (Metal)“ verstehe. Das „Encyclopedia Metallum“ ordnet das Ganze unter „Sludge Metal“ ein, was ich angesichts der Präzision, der Klarheit, der Strukturiertheit des Omega Massif‘schen Schaffens für reinen Blödsinn halte – allerdings ziehen sich diese seltsamen Sludge-Verweise permanent durch die Rezeption der Würzburger Band, habe ich festgestellt. Vielleicht mag mich ja mal einer erhellen, was die angesprochene Klarheit, Präzision und Strukturiertheit mit „Matsch“, „Zähigkeit“ oder gar EyeHateGod zu tun haben sollen. Ganz lustig wird‘s sogar, wenn gestandene Prog-Rocker diesen Stoff für sich in Anspruch nehmen. Richtig laut auflachen musste ich über die Begründung, die Verwendung von „düster-obsessiven Riffs“ sei einer der Links in Richtung Progressive Rock – irgendwie will mir gerade diese Verwendung als ein Merkmal für die Abwesenheit von Prog-Rock erscheinen, Tool hin oder her. Und irgendwie kann ich mir auch ganz gut vorstellen, dass die Jungs von Omega Massif ein ähnliches Unbehagen bei der Kollision mit „Progressive“ empfinden wie meine Wenigkeit. Das aber nur mal am Rande. Worum‘s mir eigentlich geht: Die durchaus unterschiedlichen Rezeptionen in durchaus unterschiedlichen Szene-Zusammenhängen, die eben auch mal über das klassische Doom Metal- und meinetwegen auch Sludge- oder Post Metal-Publikum weit hinausreichen, zeigen mir eines – „Karpatia“ hat so etwas wie Konsens-Fähigkeiten. Eine Platte, auf die sich viele Leute einigen können. Natürlich all jene, die sich sich für das schiere Gewicht in Musik interessieren (und da agieren Omega Massif aus Gründen, auf die ich noch eingehen werde, in einer sehr eigenen Liga). Aber auch all jene, die sich mit Macht und Mächtigkeit von Musik beschäftigen. All jene, die eine wahlweise apokalyptische oder gegen-modernistische Atmosphäre in Musik zu schätzen wissen (besonders interessant fand ich in dieser Hinsicht den Verweis auf eine durchaus erkennbare Folktradition – sie wissen schon, diese düster gegrummelten Lieder am Lagerfeuer, die von Mord, Totschlag, Zauberei und Übernatürlichen handeln – die vom De Bug-Rezensenten Bleed aufgemacht wurde). All jene, die musikalische Präzisionsarbeit zu schätzen wissen. All jene, die an die Vereinbarkeit von scheinbaren Gegensätzen glauben wie beispielsweise von Masse und Leichtigkeit. All jene, die einen Groove auch in einer Musik erkennen können, die nicht für den Tanzflur entworfen wurde. Und natürlich mal ganz abgesehen von all jenen, die sowieso aus Prinzip nie einen Bogen um im besten Sinne auf- und anregende Musik machen.

Die drei Punkte, die aus meiner Sicht aus „Karpatia“ ein wahrhaftiges Erlebnis machen, hatte ich schon angesprochen. Da wäre Konsequenz. Die Konsequenz, wirklich alles, absolut alles aus den gegebenen Möglichkeiten eines musikalischen Styles herausholen zu wollen. Da sind Omega Massif konsequent bis zum Gehtnichtmehr: Natürlich werden die Riffs im höchstmöglichen Grad von „Fett“ aufeinander geschichtet und getürmt, bis sich daraus ein erschlagender Wall Of Riff-Sound ergibt. Und ebenso natürlich wird im logischen Wechselspiel von An- und Entspannung eben dieser Wall Of Riff-Sound abgetragen bis auf den kargen Erdboden, auf dem sich dann atmosphärisch wertvolle Bass- und Gitarrensounds schlängeln dürfen (in dieser Hinsicht ist gerade „Im Karst“ eine achtminütige Offenbarung, für mich DAS zentrale Stück dieser Platte, das alles, absolut alles, was Omega Massif auszeichnet, unfassbar stimmig auf den Punkt bringt). Natürlich rollt die Lawine, wenn erst mal in Gang gesetzt, in eben jenem nackenmuskelzerfetzenden Headbanger-Tempo-Modus zu Tal, dem man sich als Metaller schon gleich gar nicht, aber auch als Außenstehender nur ziemlich schwer entziehen kann. Und davon, dass die hier konsequent das Naheliegende, das Logische, das Offensichtliche tun, will ich gar nicht erst anfangen – natürlich folgt auf den Wall Of Riff-Sound die katharsische Auflösung, auf die Anspannung die Entspannung. Aber diese Konsequenz hat noch eine weitere Ebene: Omega Massif sind ebenso konsequent Teamplayer. Eine Band. Eine Band als Einheit von vier Leuten, die sich diesem Band-Prinzip (mehr als die Summe der einzelnen Teile, wir erinnern uns noch) auch konsequent unterordnen – bis hin zur künstlerischen Selbstaufgabe des Individuums. Was für mich noch einmal ein weiterer wesentlicher Unterschied zu Progismen jeglicher Art zu sein scheint: Hier geht‘s eben nicht um die Inszenierung von Muggertum. „Karpatia“ verzichtet komplett auf Schnickschnack, auf unnötige Details und Verschnörkelungen, auf Arabesken und Selbstdarstellungsversuche der einzelnen Beteiligten. Es wird getan, was aus Sicht des Stücks/Tracks logischerweise getan werden muss – im Wechsel von An- und Entspannung. Oder weil es in diesem Moment höchstmögliche Wirksamkeit erzielt (und auf höchstmögliche Wirksamkeit legen Omega Massif eindeutig großen Wert). Mehr als die Summe der einzelnen Teile eben.

Und dann wäre da noch das Streben nach Perfektion, dass mit der erwähnten Konsequenz eine gewinnbringende Reaktion eingeht – aus der dann die ebenfalls schon erwähnte Präzision entsteht. Eine Präzision im Songwriting, die eben jene konsequente Perfektion oder wahlweise perfekte Konsequenz als musikalische Vision hat. Und eine Präzision im Zusammenspiel, die die Kraft hat, auch über widrige Umstände hinweg zu gehen. Über widrige Umstände in Live-Situationen, um genauer zu sein. Die Studio-Situation ist ja das eine – die Umsetzung auf der Bühne etwas ganz anderes. Und genau da haben mich Omega Massif immer wieder mit jener höchstmöglichen Wirksamkeit und konsequenten Perfektion geradezu weggeblasen. Vollkommen gleichgültig, ob da ein exzellenter Kerl am Mischpult sitzt, der aus feinster Technik das Beste herauszuholen weiß. Oder man sich auch in technischer Hinsicht den Bedingungen von Punk stellen muss. Da glaube ich nur zu gerne, dass sich diese Band voll und ganz in ihrer Musik versenkt. Dass sie ihr Tun und Handeln einzig und allein auf ihre Musik ausrichtet. Dass sich ihre Existenz um ihre Musik dreht – weil ich es in „Karpatia“ nicht nur hören, sondern beinahe körperlich fühlen kann. Weil jede Note genau an dem Platz sitzt, an den sie hingehört. Weil keine einzige Millisekunde dieser Platte in irgendwie überflüssig wäre. Weil sich dies alles so wunderbar richtig anfühlt. So stimmig. So logisch. So perfekt und so konsequent. Und ja, so bewußt. Natürlich ist dies am Ende des Tages ein wohl durchdachtes Kalkül, an dem Omega Massif feilen (und zwar offenbar mit echter Obsession, immerhin stammt der direkte Vorgänger „Geisterstadt“ aus dem Jahre 2007 – und es gibt keinen Grund anzunehmen, dass die Band seither an „Karpatia“ feilte). Aber wenn es mit einem solchen Groove zum Leben erweckt werden kann, soll es mir allemal recht sein.

Denn dies ist – aus meiner Sicht – das Außergewöhnliche, dass diese Band aus dem normalen Szenekontext heraushebt. Dieser Groove. Diese Leichtigkeit. Diese Fähigkeit, diese innere Logik im Track-Aufbau nicht wie kunsthandwerkliches Malen nach Zahlen klingen zu lassen, sondern wie die echte Offenbarung. Dabei geht es mir nicht einmal darum, dass Omega Massif nun den Groove in den Doom gebracht hätten – herrje, den gab‘s ja nun auch schon bei den Schreihälsen von Black Sabbath. Aber das die konsequente Verdüsterung von Atmosphäre, Verdunklung von Räumen und Verkältung von Sound eine derartig ausgeprägte Sexyness haben könnte, naja, das finde ich schon überraschend. Weshalb ich persönlich ja auch der Ansicht bin, Omega Massif im Doom-Kontext unter Pop einsortieren zu können, dürfen, wollen. Ihr wisst schon, diese Geschichte mit dem Konsens, mit der Wirksamkeit über den Kreis der üblichen Verdächtigen hinaus. Deshalb auch der Einstieg. Scheinbare Widersprüche inklusive – natürlich sprechen oberflächlich Dinge wie der fehlende Gesang (der allerdings aus zwingenden Gründen fehlt, ansonsten würden wir ja nicht über perfekte Konsequenz reden) oder der Track-Aufbau mit zentralen Stücken jenseits der Acht-Minuten-Grenze auf den ersten Blick dagegen. Auf den zweiten hat sich Pop nie um derartige Oberflächlichkeiten geschert. Was jetzt eine zwingende Ermunterung sein soll, sich „Karpatia“ unbedingt und auf jeden Fall einmal anzuhören. Nur um mal zu schauen, ob es auch dann die erwähnte Offenbarung ist. Ich jedenfalls möchte diese Erfahrung auf gar keinen Fall missen.

PS: Ausdrücklich sei auch noch einmal auf das formidable Artwork hingewiesen, dass sich – natürlich – mit konsequenter Perfektheit bzw. perfekter Konsequenz in den Band-Kontext einordnet.

PPS: Selbstredend spielen Omega Massif zum Denovali Swingfest am kommenden Wochenende – am Sonnabend, genauer gesagt. Ich kann da nicht hin, was mich gehörig ärgert, aber wer irgendwie in der Nähe der Weststadthalle in Essen sein sollte, muss da dringend mal hinschauen. Warum, kann man hier nachlesen.

“Karpatia” von Omega Massif ist via Denovali erschienen. Unbedingt emfehlenswert ist auch die Doppel-CD-Kombination “Geisterstadt – Kalt”, die gleichfalls via Denovali zu kriegen ist.

www.denovali.com

Fotos: K. Nauber auf dem South Of Mainstream 2008

Unsere Stammleser haben diesen Moment mit Sicherheit lang und sehnlichst erwartet. Nachdem bereits in unseren Printausgaben #76 und #77 die ersten beiden Teile der ausfühlichen Abhandlung zum Phänomen Italo Disco zu lesen waren fehlte noch der dritte und letzte Abschnitt. Nun hat unser Autor Tim Thoelke sein komplettes Werk überarbeitet, aktualisiert und in voller Pracht auf seiner Homepage veröffentlicht. Und hier ist der Link zu Baltimora, Sabrina, Koto, Dharma, Raf,  Silver Pozzoli und vielen anderen:

www.timthoelke.de/texte

Es gibt sie irgendwie tatsächlich noch: Bands, um die herum sich eine Aura des Legendären von einem derartigen Ausmaß formt, dass sich Menschen mit ausgewachsener Leidenschaft in ernsthafte Arbeit stürzen, um eben diese Bands auf die ein oder andere Weise ins Licht der Öffentlichkeit zu rücken. Selten geht es dabei um Bands, die sich in selbigen permanent sonnen, eher die versteckten Verrückten, die haltlosen Grenzgänger und die ausdauernden Erwartungshaltungszermalmer. Leute wie die Melvins beispielsweise, die sich im Oktober endlich mal wieder hierzulande blicken lassen.

Gut, es wird immer wieder und allen Ecken und Enden behauptet, dass diese Band etwas ganz Besonderes sei. Wird ja auch via Wikipedia festgehalten, dieses Ding mit der „eigenen kleinen Nische der Rockmusik“, in der sich King Buzzo und Dale Crover mit wechselnden Bassisten rumtreiben würden. Naja, wenn‘s da schon steht. Oder wahlweise auch gedroppt wird vom Musikjournalismus der herkömmlichen Sorte nach dem Motto „Höhöhö, Melvins sind Kult, wa! Die Haare! Und die haben ja Grunge erfunden! Und King Buzzo! Und so durchgeknallt! Höhöhö.“ Sorry, dies musste jetzt mal raus. Wobei ich dies alles ja garnicht schlecht finden mag – was den Melvins dient, kann nur gut sein. Finde ich. Aber wovon ich wirklich rede, ist die Tatsache, dass es sich auch 24 Jahre nach „Gluey Porch Treatments“ (oder 25 nach „Six Songs“, wenn wir es denn mal ganz genau nehmen wollen) voll und ganz lohnt, sich mit dieser Band zu beschäftigen. Und zwar nicht lohnt im Sinne von „Da nehme ich aus nostalgischen Erwägungen die neue Melvins halt mal mit“, sondern weil man nie so genau weiß, was einen da nun eigentlich erwartet. Der völlige haltlose Wahnsinn, der zwischen Geräuschfetischismus der ausgeprägten Art und ebenso ausufernden wie bruchstückhaften Rock-Skizzierungen schwankt wie ein Fischkutter bei Windstärke 12? Oder vielleicht doch eher jene Inkarnation, die die Heavy Metal-Bratzigkeit auf ein unfassbares Level von Progismus transformiert, dass einem die Augen tränen (siehe „The Bride Screamed Murder“ aus dem vergangenen Jahr)? Dann wären da ja auch noch die legendären Meta-Mainstream-Melvins aus „Houdini“-Tagen im Angebot – inklusive jener Melvins, die 2005 die ganze Chose live nachgespielt haben und im Jahr darauf als „Houdini Live“ unters Volk brachten. Wobei man bei dieser Gelegenheit vielleicht auch mal erwähnen muss, dass dieses Ding, was man jeder anderen Band als sinnlose Beutelschneiderei vorgehalten hätte, hier unfassbarer Weise wirklich SINN ergibt. Nur eine der zahllosen Mysterien, die sich um diese Band entwickeln.

Kurzum: ich rede von Besessenheiten. Von Obsessionen, die dergestalt nachhaltig wirken, dass man auch nach 20 Jahren an Melvins-Platten nicht oder nur ganz schwer vorbeigehen kann. Davon, dass mich die Melvins wie eigentlich keine zweite Band durch eben diese 20 Jahre begleitet haben. Herrje, ich muss wirklich mal darüber nachdenken, wieso weshalb und warum ich eigentlich auf diese Band gestoßen bin? Weil sie damals, 1990 schon Kult war? In den Kreisen, in denen ich mich damals so bewegte? Weil sie als Giganten des Verschleppens galten, als wahnwitzige Apologeten des ganz, ganz, ganz, ganz fetten Riffs, an denen ich irgendwie schon immer ein gewaltiges Interesse hatte (Nachwehen der Heavy Metal-Sozialisation möglicherweise)? Oder war es dieses ziemlich legendäre Foto von diesen drei Taugenichtsen und Schreihälsen, die da vorm Zaun rumstehen mit Shirley Temples Tochter Lori Black in der Mitte und der Katze, die da am Schwanz hochgehoben wurde? Naja, irgendwie gab‘s für mich keinen Weg vorbei an dieser Band, an diesem Konglomerat aus „Ozma“ und „Gluey Porch Treatments“, das mir dann auch via Mailorder (das war damals noch so) ins Haus gebracht wurde. Und als ich mir diese schlanken 33 Songs reingezogen hatte, wußte ich Bescheid: Das musste im Auge behalten. Weil all diese Vorab-Klischees stimmten und dann doch wieder nicht. Weil das nicht nur die List am Verschleppen war, sondern die pure Lust am Krachschlagen, am Rockmusik-Zerfleddern (bei allem Respekt natürlich), an Dekonstruktion (auch wenn ich damals diesen Begriff nicht nutzte) und vor allem an Musik.

Es sollte sich ergeben, dass dieses „Im Auge behalten“ zur erwähnt lohnenswerten Angelegenheit wurde. Aus bereits oben erwähnten Vielseitigkeitsgründen. Und weil sich die Melvins immer einen ziemlichen Dreck um Erwartungshaltungen geschert haben – selbst in ihrer „Mainstream-Phase“, dieser Zeit bei Atlantic mit „Houdini“, „Stoner Witch“ und „Stag“, die im Nachgang irgendwie immer noch als gigantisches Musik-Missverständnis angesehen werden darf. Eben wegen diesem Sich-Einen-Dreck-Scheren, dass uns hier eben auch drei Veröffentlichungen beschert hat, deren Eine-Spur-Neben-Der-Normalität-Der-Alternative-Nation-Rockmusik bis zum heutigen Tage nix an Subversivität und yeah, Frische verloren hat. Ruhig mal ausprobieren. Und da reden wir noch gar nicht von all diesen Auslotungen am Rande des Hörbaren, von „Colossus Of Destiny“, diesem beinahe einstündigen Live-Monstrum, das im Wesentlichen aus Rauschen, Brummen und sonstigen Geräuschen besteht, an dem man aber wirklich eine Lust entwickeln kann (ich weiß, wovon ich rede, ich habe diese Platte etliche Male angehört). Oder von der unbedingt empfehlenswerten Doppel-CD „Singles 1-12“, auf der alle Singles zusammengefasst sind, die von den Melvins 1996 im Monatsrhythmus unter die Leute gebracht wurden – und auf der allerhand Unfassbares zu finden ist, angefangen von diversen Coverversionen bis hin zu wahrhaft Melvinesken Fingerübungen am eigenen Material. Oder von jenen drei EPs aus dem Jahre 1992, mit denen King Buzzo, Dale Crover und der damalige Bassist Joe Preston (ja, die Sache mit den Bassisten ist auch so ein Melvins-Ding), die Kiss derart verhohnepipelnd Respekt zollen oder wahlweise respektvoll verhohnepipeln, das einem ganz schwummrig wird vor Entscheidungsoptionen – mitlachen oder mitrespektieren? Naja, immerhin habe ich mich in meiner Metal-Sozialisation angenehm verstanden gefühlt – vielleicht auch so ein Grund, warum ich und die Melvins so dicke sind.

Hakenschlagen als Überlebenskonzept: Davon wird mir noch viel zu wenig geredet. Wer sich erst mal in diese „eigene Nische in der Rockmusik“ reinmusiziert hat, kann ganz ungeniert leben. Und Dinge machen, deren Logik erst mal nicht auf der Hand liegt (ganz abgesehen von kommerzieller Logik, die in diesem Kontext eh nie eine Rolle gespielt hat): Mit Jello Biafra den Speedpunk markieren zum Beispiel. Oder mit dem Herren Brian Williams aka Lustmord einen formidablen Clash aus Wumms und Fieps inszenieren, der sich aus wohliger Freude am Nervenendenaufreiben speist. Oder mit einem Dreifach-CD-Konzept, das allen Maden, Schleimern und Heulsusen ein musikalisches Denkmal setzt („The Maggot“, „The Bootlicker“ und „The Crybaby“ von 1999/2000). Oder für ein Remix-Album ausgewiesene Lärm-Terroristen der Bauart Merzbow oder Panacea neben Feingeister wie Matmos zu platzieren. Oder eine Fantômas Melvins Big Band ins Leben zu rufen. Oder das eigentlich aus meiner Sicht weitgehend vollkommen überflüssige Genre des Live-Albums tatsächlich mal mit Sinn, Verstand und Leben füllen – ich hatte die „Houdini“-Live-Nachbetrachtung bereits erwähnt, ebenso wie „Colossus Of Destiny“, aber verweise an dieser Stelle auch gerne auf den Melvins-Beitrag zur „Your Choice Live Series“ oder auf die just in diesem Jahr erschienene „Sugar Daddy Live“. Wobei letztere schon allein aus dem Grund empfehlenswert ist, weil man da mal fein erkennen kann, wie perfekt sich King Buzzo und Dale Crover mit der neu gewonnenen Big Business-Unterstützung von Jared Warren und Coady Willis verstehen – und welche Möglichkeiten dies für Live-Situationen eröffnet (zwischen Malmen, Rocken und Noisen). Mal ganz abgesehen davon, dass man einen Evergreen wie „Boris“ immer wieder gerne hört, sich an dessen Unverbrauchtheit erfreut und bei der Gelegenheit daran erinnert, dass man diesem Song zumindest ein bißchen eine fantastische Band verdankt (ja, eben die japanischen Boris).

Ja, ich habe all diese Platten im Schrank zu stehen. Ja, das kann man Besessenheit nennen. Eine Besessenheit, die mir immer Spaß gemacht hat. Weil die Band selbst immer Spaß hatte. Und es scheint nicht nur mir so zu gehen – um mal wieder zum Ausgangspunkt zurück zu gehen. Deshalb gibt es auch da draußen Leute, die einfach nur den Jugendtraum haben, mal ein Konzert mit den Melvins zu organisieren. Und die dies einfach tun wie Florian Bräunlich, Grinni Stangner und Christian Kühr von Eine Welt aus Hack bzw. Love & Fist, der sie am 14. Oktober in Erfurt auf die Bühne stellen wird. Was wir hier ausdrücklich gutheißen und unterstützen. Ach was, verstehen sogar! Und wer nicht nach Erfurt kommen kann, sollte sich eines der anderen Konzerte reinziehen.

PS: Anbei hänge ich gleich noch mal die Playlist des jüngsten Melvins-Appetit-Mach-Specials auf Radio Blau mit an.

1. Melvins – Revolve (von “Stoner Witch”/ Atlantic)

2. Melvins – At A Crawl (von “26 Songs”/ Ipecac; Original von “Six Songs”/ C/Z Rec.)

3. Flipper – Way Of The World (von “Album Generic Flipper”/ Subterranean Rec.)

4. Captain Beefheart – Ashtray Heart (von “Doc At The Radar Station”/ Virgin)

5. Black Sabbath – Iron Man (von “Paranoid”/ Vertigo)

6. Melvins – Vile (von “Ozma”/ Boner Rec.)

7. Melvins – Love Thing (von “Ozma”/ Boner Rec.)

8. Mudhoney – Touch Me I’m Sick (von “Touch Me I’m Sick”/ Sub Pop)

9. Nirvana – Aero Zeppelin (von “Incesticide”/ Geffen)

10. Melvins/Joe Preston – Bricklebrit (von “Joe Preston”/ Boner Rec.)

11. Melvins – Going Blind (von “A Live History Of Gluttony And Lust – Houdini Live 2005″/ Ipecac)

12. Melvins – Harry Lauders Walking Stick Tree (von “Honky”/ Amphetamine Reptile)

13. Mr. Bungle – Quote Unquote (von “Mr. Bungle”/ London Rec.)

14. Melvins With Leif Garrett – Smells Like Teen Spirit (von “The Crybaby”/ Ipecac)

15. The Fantomas Melvins Big Band – Terpulative Guns Drugs (von Millenium Monsterwork 2000″/ Ipecac)

16. Venomous Concept – Idiot Parade (von “Retroactive Abortion”/ Ipecac)

17. Jello Biafra With The Melvins – The Lighter Side Of Global Terrorism (von “Never Breathe What You Can’t See”/ Ipecac)

18. Melvins + Lustmord – Toadi Acceleratio (von “Pigs Of The Roman Empire”/ Ipecac)

19. Boris – Akuma No Uta (von “Akuma No Uta”/ Southern Lord)

20. Big Business – Guns (von “Quadruple Single”/ Gold Metal Rec.)

21. Melvins – Suicide In Progress (von “Nude With Boots”/ Ipecac)

22. Melvins – Civilized Worm (von “Sugar Daddy Live”/ Ipecac)

Die Tourtermine

9. Oktober, München, Feierwerk

14. Oktober, Erfurt, Stadtgarten (+ MoHa!)

16. Oktober, Berlin, Volksbühne

25. Oktober, Bremen, Lagerhaus

28. Oktober, Schorndorf, Manufaktur

29. Oktober, Köln, Gebäude 9

www.eineweltaushack.com

www.melvins.com

Es gibt den richtigen Club im falschen nicht. Norman Kolodziej, auch bekannt als der eine Teil des Audiolith-Duos Bratze, steht als Person dafür, dieses Paradoxon auf rationaler wie irrationaler Ebene, fassbar zu machen. Wo er auftritt, wo er die Gitarre umhängt, wo er verschmitzt seine scharfen Wasserpistolen zückt, da muss zunächst reflektiert worden sein, was der Spaß bedeuten soll. Daß der Spaß ernst und der Ernst spassig sein dürfen. Wie echte Bewegung im falschen Club unmittelbar herbeigeführt werden kann. Oder, was dies garantiert hier nun jetzt gerade auch nicht unbedingt, unter allen Umständen, bedeuten muss. Grundsätzliches Stilmittel Kolodziejs ist jedenfalls, irgendwann dazu aufzufordern, quasi um den heißen Brei herum zu tanzen. Seine Lieblings-Küchengeräte sind dabei der Quirl und der Fleischhammer. Wie bei allen guten Tanz-Musikern wirkt danach das Album, als könne es nicht ohne Club funktionieren, nicht ohne Club im Hinterkopf rezipiert werden. Die Einzel-Tracks funktionieren weniger als Bilder, denn als Ankerpunkte in einem Koordinatensystem aus Räumen. Wenn Du nicht bereit bist Dich da durchzuhangeln – was man vielleicht mit einer Art abstraktem Tanzen umschreiben könnte – dann wirst Du als Hörer nichts bemerken außer unzusammenhängende Windkanal-Test-Anordnungen. Aber, das wäre ja auch gar nicht so falsch gehört. Schließlich sind Flugsimulationen ja auch groß nichts anderes als eine Art Koordinations-Übungen im falschen Club. Und eine geflickschusterte Simulation hält gegenüber einer schulbuchmäßigen Imagination immer noch eine relative Lebensnähe parat. Wegdriften heisst bei DTR immer auch: Pass auf, sonst liegst Du gleich auf der Schnauze. Der Albumtitel “H4xX02″ steht synonym für “Häcker”. Es steht aber nicht “Häcker” auf dem Cover, sondern “H4xX02″. Es geht hier also nicht um’s Dechiffrieren, sondern um ein Leben mit den Zeichensystemen. Erstaunlicherweise gibt es heute im Posttechno-Zeitalter durchaus noch ein Missverhältnis von Sound und Text. Oder besser gesagt, es gibt dieses Missverständnis, Subversion generiere sich in erster Linie über das geschriebene oder gesungene Wort. DTRs Tracks kommen (bis auf ganz wenige Ausnahmen) ohne Worte aus. Mehr aber, mehr noch als Egotronic und die anderen Audiolith-Text-Acts, mehr auch als Bratze, schafft DTR es, jenen Mix aus Beat und Subtext zu transportieren. Setzt man die sehr spannende Experimentierphase als Bratze dem neuen Album gegenüber, so wird dies ganz besonders deutlich. Da, wo Bratze am härtesten, am unverständlichsten Punkt eines Tracks immer noch Lied, sprich Erzählung bleibt, dort   schleudert DTR ungestüm seine Beats und Riffs, völlig ungeachtet jeder Erwartungshaltung ausgeklügelt in den Raum. Irgendwo zwischen Justice, Daft Punk, Egoexpress verortet, steht DTR – wie jene – für technoiden Rock, ohne Schnörkel, ohne Art-, ohne Post-, ohne Kraut- und ohne Math-Rock. Allzu gefällige, romantische oder düstere Sounds werden ausserdem vermieden. Die Beats und Riffs agitieren. Das kennen wir aus dem Rave-Punk-Audiolith-Sound-Kosmos nur allzugut. Doch DTR  gehört darin immer schon zu der Art Fixstern, die – egal aus welcher Richtung Du Dich näherst – zur allgemeinen Orientierug wichtige Koordinaten festlegen. Kompromisslos und gleichzeitig humorvoll hievt Kolodziej seine Abgesänge auf Schmusedisco und Schlagertechno sensibel aus den Mottenkisten der Rock-Garage und des Schulhof-Metal und formt daraus die schöne gläserne Vitrine jenes Rave-Punk, die Audiolith-Acts jetzt schon ein ganzes Jahrzehnt hindurch mit mehr oder weniger genialen Slogans zu füllen sich die Beine ausreißen. Wichtiges Album, weil gerade die interne Lyric-Fabrik – siehe Egotronic oder Saalschutz – gerade etwas zu schwächeln scheint. Von Abnutzungserscheinungen will ich da aber nicht sprechen – ich seh das eher als normalen Alterungs- und Verschleissprozess. Aber anderes Kapitel.  Wichtig ist hier, bei DTR, dass einmal mehr die Ur-Zellen der Bewegung (letztere im wörtlichen Sinne zu verstehen) – und das sind genau jene Beats und Riffs mit den Punk- und den Disco-/Techno-Wurzeln, mit neuer Technik neu konstruiert werden. Das funktioniert, überzeugt uns, wie reinen Wein eingeschänkt bekommen. Wenn dabei auch noch ein weiterer Rave-Slogan wie beim “Fly A Plane Into Me”-Remix herauskommt. Wenn „H4xX02“, obwohl es sich sehr sich sehr stilsicher in den Kosmos der besten Instrumental-Tanz-Musik-Alben integriert, gotteslästerlich noch trashige Kurzhörstücke in die Pausen feuert. Dann wurde hier ein Merksatz für alle Musikhistoriker vorgeformt, der in etwa einmal besagen wird, dass Audioliths grossartiger Sophismus unbedingt immer in einem Atemzug mit Der Tante Renate zu nennen ist. (Audiolith)

* Der Tante Renate – Beast (Free Download)

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Die Qualitätskontrolle der Persona non Grata hat sich mal wieder durch die Neuerscheinungen der letzten Wochen gehört und kredenzt, was schmeckt. Aufgetischt werden diesmal u.a. Junior Boys – It’S All True (Domino Records / Goodtogo), Cashier No. 9 – To the Death of Fun (Cooperative Music / Universal) und Sole And The Skyrider Band – Hello Cruel World (Equinox / Namskeio Distribution). Es servieren die Herren Nauber, Jensor und Lose.

Mmmmh. Mittlerweile kommt einem so etwas wie “außer ich” nicght alle Tage unter. Nach dem Ausverkauf von Deutschpunk qar es doch etwas ruhig geworden. Aber sicher nur an der Oberfläche. Die Kaufhallen- und S-Bahnhaltestellenpunks sterben ja auch nicht aus. Und dann gilt ja noch: neue Generation – neues Sprachrohr! Nicht dass sich “außer ich” da explizit bewerben. Nein. Klassisch ungestüm holtert und poltert man sich durch die Stücke wobei die Spannbreite zwischen Parolengebell und impressionistischem scheinbar unzusammenhängenden Gedanken changiert. hat sich jemand mal um den Inhalt der Songs von Rise Against, Billy Talent oder Against Me! geschert? Ich vermute da nicht ganz so große Diskrepanzen. Man kann halt nicht aus seiner Haut und nicht von ungefähr sympathisiert man mit dieser oder jener Szene. Erwartungen der selben hin oder her. Die weinerlichen Herzschmerzballaden überläßt man souverän den Weicheiern und prügelt derweil auf Spießer, Besserwisser und Gutmenschen ein und erklärt der Gleichgültigkeitden Krieg. nicht dass man sich darauf nicht einigen könnte, doch der weiße Uhufragt dann in ein paar Jahren noch mal nach. Wobei mir eine Szene bei einem Freygang-Konzert vor ein paar Jahren wieder in der Erinnerung aufflammt, wo alt gewordene Jünger lauthals die Texte mitgröhlten in deren Feinbild sie mittlerweile selbst offensichtlich reingewachsen sind.
Egal! Gar nicht mal so schlecht fällt die Gitarrenarbeit aus – das Riffing sozusagen. Geradeaus, krachig, nachdrücklich umgesetzt, der Charme der Straße läßt grüßen. Und wie verhält es sich mit den Schubladen? Zum Glück springen die drei aus Siegen da von einer zur anderen: Punk, Postpunk, Scremo, Posthardcore, ein wenig Postrock und in den nachdenklicheren Passagen blinzelt gar etwas Emo durch. Darf man heute ja.
Konkurenz für Turbostaat, Madsen, Donots? Wohl eher nicht, obwohl die Melodien das hie und da sogar hergeben würden. Aber in puncto Aggitation setzt man auf die Basis, nicht die Masse. Konsequent!

(Tumbleweed Records/Broken Silence)

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Auf so einen Namen muss man ja auch erst einmal kommen. Gatto Fritto. Frittierte Katze also. Immerhin: Er sorgt für Heiterkeit und Aufmerksamkeit, dieser Name. Wie ich es erfahren durfte, als ich das gleichnamige Debut zur Platte des Monats kürte und entsprechende Reaktionen erntete. Naja, in dieser Hinsicht hat Ben Williams alles richtig gemacht. Und im musikalischen Sinne sowieso und sei es nur, weil er uns via „Gatto Fritto“ mal wieder die klare Botschaft rüber gefunkt hat: Space ist the place. Irgendwie. Gut, es ist nun eher jener Space, in dem jemand wie John Carpenter unterwegs ist, in dem die Arpeggios zwitschern und die Snares wie nix Gutes durch die Galaxien zischen (vielen herzlichen Dank an die Kollegen von The Gap für dieses ausnehmend schöne Bild). Um diesen Verweis auf den Retro-Futurismus kommen wir nicht drum herum und wenn ich ganz ehrlich bin, bin ich bis auf den heutigen Tage gelb vor Neid über diesen einen wunderbaren Satz: „Manchmal erinnert ‚Gatto Fritto‘ fast schon an eine metaphysische Meditation mit den Mitteln analogen Elektroschrotts.“ Argh, warum ist mir nur so etwas nicht eingefallen und zwar eher?

Zum allgemeinen Drumrum: Von Ben Williams ist bekannt, dass er mit Sam Weaver hinter dem Namen Hungry Ghost steckt. Und dass er unter dem Namen Gatto Fritto auch schon ein paar Jähren zugange ist – zumindest sind entsprechende Veröffentlichungen seit dem Jahre 2007 gelistet, damals allerdings noch auf dem Dissident-Label von Andy Blake, was aber auch eine gewisse Stoßrichtung in Sachen Sound aufzeigt. Im allwissenden Internet wird gedroppt, dass Leute wie James Holden – ja, der von Border Community – und Andrew Weatherall schon zu den Fans gezählt werden dürfen, was mir nicht schwer fällt zu glauben. Ein gewisses Grenzgängertum gehört da ja auch zum Selbstverständnis (wenn ich zum Beispiel an dieser Stelle nur mal auf die unfassbar große „Wrong Meeting II“ der Two Lone Swordsmen hinweisen dürfte). Und wenn man sich Gatto Fritto mal so anhört, glaubt man gerne, dass Ben Williams dieses Selbstverständnis gerne teilt: Was da mit „The Curse“ beginnt wie ein feiner weicher Synthie-Pop-Entwurf, der einem ganz gut die Zeit bis zur nächsten Junior Boys-Veröffentlichung überbrückt (wie der De:Bug-Kollege ganz richtig erkannt hat), wird im Laufe der folgenden sieben Stücke zu einem feinen Exkurs durch exaltierte Space-Disco-Gefilde, anständig verkrautete Gestade und psychedelisch schillernde Landschaften. Und dies irgendwie immer im Dienste des Pop.

Fein finde ich hier ja das Info-Blättchen zur Platte, die mit ein paar wirklich ziemlich verwirrenden Hintergründen aufwartet. Was soll ich von der Information halten, er sei gleich einem einer Knut Hamsun-Geschichte Entsprungender kettenklirrend durch die Londoner U-Bahn gezogen und dies gleich geschlagene zehn Jahre lang? Lustigerweise finden sich dies aber in nicht wenigen Internet-Beiträgen zum Thema wieder – ebenso wie die Verweise auf das Fallschirmjägerregiment der britischen Armee oder auf John Dee. Naja, aber wer glaubt, man könne mit Theo Parrish Tanzflächen leeren, glaubt wahrscheinlich alles. Ein paar halbwegs glaubhafte Reminiszenzen gibt es aber doch: Ja, es gibt einen Gatto Fritto-Remix von Franz Ferdinand. Und ja, mit einem Verweis auf Holger Czukay, Baby Ford und Terry Riley (obwohl der im elektronischen Kontext irgendwie fast immer geht – naja, Holger Czukay ja auch) liegt man in diesem Falle gar nicht so falsch. Ebenso wenig mit einer latenten Drug-Attitude, die in der kosmischen Attitude von Gatto Fritto im Hintergrund stets ein bisschen mitschwingt. Das generell Schöne: Wie auf dieser Platte das Schräubchen in Richtung psychedelischer Verschrobenheit immer weiter gedreht wird, ohne das elegante Tarnmäntelchen Pop jemals auch nur so weit zu lupfen, dass die Sache zum unhörbaren Gemugge wird. Was eine Herausforderung ist angesichts der Tatsache, dass Ben Williams durchweg zum Raumgreifenden neigt und diesen Neigungen zumindest mit dem Elf-Minuten-Schinken „Invisible College“ mit Genuss nachgeht (wobei sich auch alles andere jenseits der Fünf-Minuten-Grenze abspielt). Und noch viel mehr beim erkennbaren Hang zur Fläche, zum Ambienten, zum – ach, spucken wir’s doch endlich auch, das üble Wort – Kitsch. Zum Ornament und Verschnörkelten. Zur akustischen Gitarre und den Bongos. Zu den zischenden Sounds, die über einen hinweg rauschen wie Sternschnuppen (höre „Beachy Head“!). Sicher darf man sich beim Genuss der Platte auch der in diversen Reviews schon mit Recht gedroppten Vorliebe des Meisters für das analoge Equipment sein – dies ist den acht Stücken nur wirklich mehr als deutlich anzuhören.

Vielleicht muss auch hier irgendwann mal die Referenz ausgespuckt werden, vor der ich mich die ganze Zeit so gedrückt habe: Jean Michel Jarre. Auch wenn ich seltsamerweise mit diesem Kerl nie irgendetwas anfangen konnte, zumindest in bewußt wahrgenommener Hinsicht. Im Gegenteil, da habe ich immer einen großen Bogen drum gemacht, nur um mich dann über die Science Fiction-Hintertür doch wieder kriegen zu lassen (ich sage nur „Mondbasis Alpha 1“). Viel lieber würde ich aber eh drüber nachdenken, ob die popkulturelle Sprengkraft von „Captain Future“ nicht doch ein wenig unterbewertet ist (inklusive des Soundtracks von Christian Bruhn): DIESER Stoff hat mich wirklich geprägt – bis hin zum Verfassen eigener Drehbücher. Wobei die Verbindung zu Gatto Fritto genau genommen doch eher eine ideelle ist, die sich aus dem Thema des Kosmischen ergibt. Aber nun davon auszugehen, wir hätten es hier mit einem Bruns‘schen Wiedergänger zu tun … Pah, dies wird weder dem einen noch dem anderen gerecht. Wie war dies mit dem Kettengerassel in diversen U-Bahn-Schächten? Hatte ich schon erwähnt, dass „Gatto Fritto“ sich durchaus auch mit einer gewissen morbiden Atmosphäre zu schmücken versteht? Kennt einer noch den Spruch „Im Weltraum hört dich keiner schreien“? So etwas in der Richtung spielt da auch mit rein.

„Durch und durch kosmischer Synth-Pop“ – so bringt es De:Bug-Thaddi auf genau den Punkt, an dem ich ihm unmöglich wiedersprechen kann. Erst recht, weil die Einschätzung, dies alles ist viel näher dran an der Disco als am Wave, auf wohltuende Weise stimmt – und damit setzt Gatto Fritto für meine Ohren dann doch einen hochgradig angenehmen Kontrapunkt zum unausrottbar allgegenwärtigen Eighties-Pop, der manchmal arg ulkige Blüten wie beispielsweise die verstörende neue Architecture In Helsinki-Platte treibt. Und einer derart watteweichen, wunderbar warmen, aber dennoch ziemlich nachhaltig Verspacung schaffenden Annäherung an Kraut und Psychedelic sollte man ja eh nie die Türe weisen.

PS: Zum Abschließer noch ein kleiner Verweis auf das International Feel-Label – via Gatto Fritto feiert dieses das Album-Debüt. Und im Auge sollte man dieses unbedingt behalten: Ein Mensch wie DJ Harvey – gerne auch in seinem Alias Locussolus – hat auf jeden Fall gerade mit dem ebenfalls gleichbetitelten Fulltime-Debüt von sich hören lassen. Näheres dazu demnächst an dieser Stelle.

PPS: Kosmischer Pop Part 2 folgt ebenfalls demnächst an dieser Stelle – mit „Galactic Melt“ von Com Truise.

http://www.myspace.com/gattofrittomusic