Unsere Stammleser haben diesen Moment mit Sicherheit lang und sehnlichst erwartet. Nachdem bereits in unseren Printausgaben #76 und #77 die ersten beiden Teile der ausfühlichen Abhandlung zum Phänomen Italo Disco zu lesen waren fehlte noch der dritte und letzte Abschnitt. Nun hat unser Autor Tim Thoelke sein komplettes Werk überarbeitet, aktualisiert und in voller Pracht auf seiner Homepage veröffentlicht. Und hier ist der Link zu Baltimora, Sabrina, Koto, Dharma, Raf,  Silver Pozzoli und vielen anderen:

www.timthoelke.de/texte

Wird es das Wort des Jahres? Schlecht stehen die Chancen für „Gratiskultur“ nicht. Ein flotter Begriff, „so scheinbar klar und einsichtig“, wie es Thomas Knüwer (zu finden unter http://blog.handelsblatt.de/indiskretion/eintrag.php?id=2169) beschreibt. „Gratiskultur“ ist der Begriff, der massiv in Stellung gebracht wird. Die einen sagen: Von der analogen gegen die digitale Welt. Andere sagen: Vom Axel Springer Verlag, von Gruner & Jahr, vom Spiegel Verlag, von der Bauer Media Group, dem Zeitverlag Gerd Bucerius, der Ganske Verlagsgruppe und, und, und gegen Google. Wieder andere sagen: Von den Kreativen gegen die Technokraten und, ähem, „Internet-Nerds“. Und überhaupt: Von denjenigen, die Inhalte schaffen, gegen jene, die diese Inhalte klauen.

Klar ist da für mich nur eines: So definiert und abgesteckt sind die Frontlinien eben doch nicht. Bleibt manmal auf der Ebene der „Hamburger Erklärung“ (unter anderem hier: http://www.welt.de/wirtschaft/article3886003/Erklaerung-der-Hamburger-Verlage.html), hat man es wohl einem ziemlich klassischen Marktverteilungskampf zu tun: Hier diejenigen, die mit einer tradierten Idee lange Zeit bestens gefahren sind, aber nunmehr von veränderten Realitäten überfahren werden – dort die, die sich eben diesen veränderten Realitäten mit ein paar guten Ideen, Konzepten und der entsprechenden Umsetzung gestellt haben. Plump gesagt: Die Faustkeil-Industrie zofft sich mit der Steinbeil-Branche – was ein passendes Bild wäre, ginge es hier um schnöde materielle Produkte. Es geht aber um ideelle Werte, um geistiges Eigentum, um das schlichte Recht, von der Kraft seines Geistes genauso leben zu können wie andere von der Kraft ihres Körpers (mal pathetisch gesagt).

Genau da wird’s kompliziert: So richtig wollen schließlich weder die mit dem Faustkeil noch die mit dem Steinbeil nicht taugen zum großen und wahren Heroen. Auf der einen Seite die Verlage, die es mit dem Urheberrecht auch nicht so genau nehmen, wenn es ihnen in den Kram passt. An dieser Stelle wird’s heuchlerisch: Es ist purer Hohn, wenn ausgerechnet Dr. Mathias Döpfner, Vorstandsvorsitzender der Axel Springer AG, erklärt: „Das Internet ist nicht der Feind, sondern die Zukunft des Journalismus, wenn auch in der digitalen Welt geistiges Eigentum respektiert wird.“ (Quelle: http://www.axelspringer.de/presse/Internationale-Verlage-unterzeichnen-Hamburger-Erklaerung-zum-Schutz-des-geistigen-Eigentums_887946.html). Nun, dies werden all jene richtig gern hören, deren StudiVZ-, MySpace- und sonstwas-Profile, deren Vereins-Homepages und Schul-Webseiten im Zuge von kleinen und großen Katastrophen ungefragt und ungebeten geplündert werden. Vielleicht fühlt sich aber auch der ein oder andere freie Mitarbeiter angesprochen, dem via simplen Federstrich sämtliche Rechte am eigenen Werk aberkannt werden (eine treffliche Replik des streitbaren Don Alphonso findet sich unter http://blogbar.de/archiv/2009/06/08/die-korrigierte-resolution-im-wortlaut. Ansonsten dient die aktuelle Auseinandersetzung rund um den Nordkurier als trefflicher Anschauungsunterricht).

Andererseits taugt aber auch ein informations- und datensammelnder Moloch wie Google, dem im Zweifelsfalle die, ähem, unternehmerische Chance stets wichtiger ist als so etwas wie Informationsfreiheit, Meinungsvielfalt oder eben auch Urheberrechte, schwerlich als Sympath – was ja auch gerne mal in der aktuellen Diskussion ausgeblendet wird. Offensichtlich geht es dann doch nicht um das, was da konkret gesagt wird: Sicher, es ist ein alter Hut, aber ein schickes Argument – wäre es den Verlagen wirklich so wichtig, ihre Inhalt eben nicht via Google als „Gratiskultur“ zu verschleudern, würden ein paar einfache Programmierbefehle ausreichen, um der Sache ein Ende zu machen.

Den „Schwarzen Peter“ bei diesem Poker um Geld, noch mehr Geld, Einfluss, Macht, politische Rückendeckung und ganz viel Geld haben dabei die, ähem, Kreativen. Sprich jene, die in den Verwertungsketten ohnehin in der Regel am Ende sitzen: Autoren und Grafiker, Fotografen und Musiker, Maler und Schriftsteller – aber eben auch Programmierer und, ähem, Internet-Nerds, Blogger und „Web 2.0“-er. Eben jene Menschen, für die zum einen der „Schutz des geistigen Eigentums“ und zum anderen der „freie Zugang zu Informationen“ nicht nur eine hohle Sprechblasen, sondern irgendwie wichtig und nicht selten die Grundlagen der Existenz sind. Einer Existenz, deren Grundlagen nicht selten ausgesprochen wacklig sind (Stichwort prekäre Beschäftigungsverhältnisse). Da ist die Gefahr der Instrumentalisierung groß – etwa bei dem „Heidelberger Appell“ (zu finden unter http://www.textkritik.de/urheberrecht/index.htm).

Einem irgendwie beängstigenden Dokument, in dem zwar viel die Rede ist von „das bestehende Urheberrecht, die Publikationsfreiheit und die Freiheit von Lehre und Forschung“, welches aber eher in Duktus und Habitus das Eingeschnapptsein einer verblassenden Elite transportiert, der mehr und mehr Einfluss, Macht, Deutungshoheit und unterm Strich eben auch Geld verloren geht (informativ ist der – durchaus ebenfalls streitbare, dazu mal in den Kommentaren und Verlinkungen stöbern – Hintergrund-Beitrag von Matthias Steinkamp unter http://www.perlentaucher.de/artikel/5347.html). Es ist ein etwas gespenstischer Eindruck, der sich bei mir verfestigt hat, nachdem ich mich mal ein wenig intensiver mit dem befasste, was den „Vater“ des „Heidelberger Appells“, Professor Roland Reuß, umtreibt (empfehlenswert die Beiträge von Thierry Chervel unter http://www.perlentaucher.de/blog/51_die_fruechte_des_internets und Wolfgang Tischer unter http://www.literaturcafe.de/heidelberger-appell-frankfurter-literaturhaus-tagung. Weiterhin kann man sich unter www.textkritik.de informieren – hier finden sich sämtliche Beiträge von Prof. Roland Reuß, die jüngst u.a. in FAZ oder FR erschienen sind).

Beängstigend ist dies nicht nur deshalb, weil hier Dinge vermengt werden, die genau genommen nichts miteinander zu tun haben (Google Books und Open Access). Viel mehr Sorgen macht mir die gewisse Naivität, die da nicht selten mitschwingt nach dem Motto „Ist zwar eigentlich keine besonders gute Erklärung, aber es wird endlich darüber gesprochen“. So funktioniert Instrumentalisierung und leider ziemlich gut (nachvollziehbar unter http://www.heise.de/tp/r4/artikel/30/30343/1.html). Fraglich ist aus meiner Sicht, ob mit derartigen Aktionen wirklich den Kreativen, den Autoren und Grafikern, Fotografen und Musikern, Malern und Schriftstellern, geholfen ist – erst recht, wenn es auf der einen Seite nicht wenigen Beteiligten um politisch kalkuliertes Gerangel geht und es andererseits auf eine Art erweitertes Leistungsschutzrecht hinauslaufen sollte, das dann wohl eher die Belange von Verlagen sichert als die von Autoren und Grafikern, Fotografen und Musikern, Malern und Schriftstellern.

Der wirklich unschöne Nebeneffekt: Mit solchen Dingen wie der „Hamburger Erklärung“ und dem „Heidelberger Appell“ wird der Blick darauf verstellt, dass es tatsächlich Diskussions- und Handlungsbedarf gibt in Sachen Urheberrecht – und vor allem im Hinblick darauf, dass Autoren und Grafiker, Fotografen und Musiker, Maler und Schriftsteller das berechtigte Interesse und Anliegen haben, von ihrer Kreativität auch zu profitieren (ich halte nichts von Drumrumgeschwafele, wir leben in einem kapitalistischen System, in dem das Überleben nun mal davon abhängt, dass man in der Lage ist, aus seinen Fähigkeiten und Möglichkeiten Profit zu ziehen. Punkt). Nein, ich werde hier nicht in das Horn pusten, das aus vielen Blog-Beiträgen und den entsprechenden Kommentaren tönt – selbst wenn nicht selten die Argumentation angesichts der formalen Schwächen, fachlichen Mängel und vor allem der ganz realen Heuchelei und des offensichtlichen Ziels des Status Quo-Wahrung, die von diversen Verlagen betrieben wird, sehr wohl nachvollziehbar ist. Aber der Satz: „Ohne Urheberrecht wäre das Internet ein Testbild“ – gesprochen von Christian Sprang, Justiziar des Börsenvereins des deutschen Buchhandels (Quelle: http://www.boersenblatt.net/330550) – trägt schon ein gerüttelt Maß an Wahrheit in sich. Mal ganz abgesehen davon ist Google in dieser Debatte wirklich nicht der Gute – und ein Projekt wie Google Books darf man sehr wohl hochgradig kritisch betrachten.

Die Tatsache kann nicht wegdiskutiert werden kann, dass sich Ideen und Visionen, dass sich Kreativität oft genug einfach nicht mehr lohnen. Und spätestens dann der Spaß an der Grenzenlosigkeit der Möglichkeiten aufhört, wenn der Kühlschrank leer ist (und bleibt), der Vermieter vor der Tür steht und Strom nebst Flatrate abgeschaltet wird. Mal ehrlich: Einen Beitrag mit einem launigen Einstieg über die Wertigkeit von Zeit schreiben wie es Thomas Knüwer in dem eingangs erwähnten Artikel tut (aber hey, nix gegen Indiskretion Ehrensache, dieser Blog ist eine dicke Empfehlung) kann man eben auch erst und nur dann, wenn man seine eigenen Schäfchen so einigermaßen im Trockenen hat – und nicht, wenn man zwar Zeit im Überfluss hat, aber keine Einnahmen und nur einen dicken Hals, weil mal wieder das eigene tolle Foto, die eigene schöne Grafik, der eigene spannender Text, die eigene ausgefallene Idee von anderen Leuten gestohlen und zu Geld gemacht wird.

Aber auch da sind die Verhältnisse ja nicht so einfach: Es sind gerne mal die klassischen Medienunternehmen, denen das Urheberrecht bzw. die Achtung und Bezahlung (!) von Quellen nicht so wichtig ist (gerne verweise ich da noch mal auf die im Internet geklauten Fotos, die beispielsweise im Zusammenhang mit Winnenden, mit dem Absturz der Air France-Maschine über dem Atlantik usw. usf. in diversen Printmedien veröffentlicht wurden). Oder ebenso klassische Agenturen, die Claims, Grafiken, Fotos, Ideen und Infos – wohlwollend formuliert – adaptieren. Oder es sind ganz reale Diplomanden, die wissenschaftliche Werke zum eigenen Vorteil abschreiben. Muss ja auch mal gesagt werden. Sicher, das Internet (und da vor allem das schnelle, problemlos verfügbare und einfach zu handhabbare Internet – ich kann mir nicht vorstellen, dass wir allesamt über diese Themen überhaupt sprechen würden, säßen wir noch mit unseren 56k-Modems zu Hause) hat diese Probleme massiv potenziert – da waren sie aber schon immer.

„Erinnert sich noch jemand an diese ‘Hometaping is killing music!’-Kampagne“, fragte Freundin Thyra neulich und ganz zu Recht (zur Info: http://de.wikipedia.org/wiki/Home_Taping_Is_Killing_Music). Das öffentliche Verhältnis zur Wertigkeit von ideellen Werten, von geistigem Eigentum, von Kreativität ist ein ziemlich kompliziertes – und auch da habe ich so meine Zweifel, ob sich dieses Verhältnis durch einen gesetzgebenenden Amoklauf mit anschließender Sicherheitsverwahrung tatsächlich nachhaltig verändern lässt (BTW: So richtig ausgeprägt ist das entsprechende Bewußtsein ja bei den politischen Eliten auch nicht, wie das jüngste Beispiel der Nicolas Sarkozy-Partei UMP zeigt, die zwar einen Riesenradau gegen Filesharing und Raubkopien veranstaltet, aber selbst mal eben so den Song „Kids“ von MGMT zu Wahlkampfzwecken nutzt – natürlich ohne zu fragen und ohne die entsprechenden Lizenzgebühren zu bezahlen. So viel zum Thema „Bock“, „Gärtner“ und „Ich lege mir die Dinge so aus, wie sie mir in den Kram passen“. Ach ja, den Rechtsstreit hat UMP verloren).

Irgendwie eine verfahrene Situation, eine verseuchte Debatte, die die wichtige Frage ignoriert, die Kreative brennend interessiert und dies – ich sage es gerne noch einmal – vollkommen zu Recht: “Wo steht die Kasse?” So brachte es Freund PM Hoffmann auf den Punkt. Die Kasse, deren Einnahmen letztlich vor allem Autoren und Grafikern, Fotografen und Musikern, Malern und Schriftstellern zugute kommen, die derzeit hochgradig unbequem zwischen Baum und Borke festgeklemmt sind. Ob man bei dieser Installation mit der Besitzstandswahrung für immer fragwürdig werdende Strukturen, mit dem Ziehen von Gut-Böse-Fronten zwischen analog und digital, dem Pochen auf die eigene elitäre Überhöhtheit weiter kommt – ich glaube da nicht dran. Nicht zuletzt, weil die Musikbranche vor gar nicht so langer Zeit vorgemacht hat, wie man diesen Kampf letztlich vergebens führt – und dabei vergisst, sich über Modelle Gedanken zu machen, wie man diese Kasse installieren kann. Nun, inzwischen steht sie halt nicht mehr bei den großen Musiklabels, sondern bei Apple via iTunes. Auch die Beispiele Beatport oder Whatpeopleplay.com zeigen: Die Totschlags-Behauptung, das Modell „Gratiskultur“ habe sich flächendeckend durchgesetzt, kann so hundertprozentig nicht stimmen. Das ist nicht viel an Trost, aber immerhin ein Punkt, an dem sich anknüpfen lässt – auch wenn ein paar der alten Strukturen dran glauben müssen. (to be continued)

Foto: Paul Keller (Creative Commons 2.0)

Persona Non Grata # 77

Jaja, die Wahrheit, die letzte haltbare Konstante, zu schnell glaubt man sich und die halbe Welt dieser Tage verloren … und dann kommt sie, die neue PNG, und alles ist wieder gut. Ja, von wegen … exklusiv beiliegend PM Hoffmanns Comic- Buch “Der Untergang” … das Ende von Indie und Fanzine, wie es wirklich war. Warum es trotzdem weiter geht … lest das Heft dazu!

Ab nächste Woche an den Bahnhofskiosken, in ausgesuchten Platten- und anderen Läden und natürlich in unserem Onlineshop erhältlich. Inhalt:

Musik:

Everything goes – Popmusik orientierungslos 2008

von Jensor

Musik ist eine tote Ziege

von Andrè

Hallo, hier ist Phillip …

Herr Boa im Interview

von Klaus

Lumières Claires – Fehler Richtig Machen

von Martin Hiller

Nach dem Grauen kommt die Exotik

Die Sparks veröffentlichen ihr 21. Album und haben „rein gar nichts dazugelernt“.

von Donis

Las Mañanitas – Glaub nicht an die Coke Zero-Werbung

von Jana

Zwei, drei Dinge, die ich schätze … am Beispiel Action Beat

von Jensor

Studio Grande – Wir und die Wirklichkeit

oder: Ein Leben 37 Ausgaben danach

von Tom

It hurts me too – Geoff Farina

von Antje, Foto: Joachim Zimmermann /joalarock.de

This is not a hype – Discorporate Records

von Jensor

The Sonic Boom Foundation – Der Adler ist gelandet

von Sven Hartig

Polarkreis 18 – The Colour Of Snow – Pro und Contra

von Jana und Donis

Saint of Slayers

von Nimrod

12Volt – Our Band Could Be Your Life

Independence Day oder Für Eine Handvoll Songs

von Harald

Listen to ITALO DISCO

Die Geschichte des am meisten unterschätzten Musikgenres der Welt – Teil 2

von Tim Hespen

Und aus 17 Millionen Augen ein Trauerregen rann…

von Sven Hartig

Money Will Ruin Everything II

10 Jahre Rune Grammofon

von Klaus

Rezensionen:

Die aktuellen musikalischen Veröffentlichungen im kritischen Blick der Redaktion

Film:

Wenn Weile doch kein gut Ding fördert

Über den Abschluss von Dario Argentos Mutter-Trilogie nach 27 Jahren

von Donis

Hinter der Maske – The Fall

von Lars Tunçay

Runter mit dem Männlichkeitswahn

Archetyp und Dekonstruktion im Subgenre des Rape’n’Revenge–Filmes von Fabian Pfaffendorf

Chuck Palahniuk: Snuff

von André

Es gibt ganz sicher keinen Gott. Aber hört dennoch nicht auf, euch zu sorgen!

Die Agenda-Doku “Religulous”

von Nimrod

Der große Japaner – Dainipponjin

von Lars Tunçay

Sonstiges: Fröbellexikon:

Buchstabe O

von Peter A. Bauer

Situationen – Unterwegs in Madagaskar

von Jensor

Surfen und Tätowieren

von Erhard Schüttelpelz

Dissidenz und Melancholie

Einige Gedanken anlässlich des 20jährigen Bestehens der Firma

von Berthold Seliger

Die Zukunft hinter sich

von Lasse Koch

Fotostrecke Finn

von Tilman Wolfgang Reinhold Walther

Selten in der nunmehr viereinhalb Jahrzehnte währenden Agentenreihe ist ein neuer Film so gespannt erwartet worden wie „Quantum Of Solace“, der von Regisseur Marc Forster gedrehte, neueste Streich des britischen Doppelnull-Agenten, gleichzeitig der zweite der „neuen“ Bond-Ära. War im Vorfeld zum Vorgänger „Casino Royale“ Brosnan-Nachfolger Daniel Craig erst kritisch, dann wohlwollend beäugt worden, so ist der 40-jährige Brite, vor allem Dank seiner schier unendlichen Physis und der sich so wohltuend von seinem versnobten Vorgänger abhebenden Mimik nun gesetzt. Dem Geschwisterpaar Barbara Broccoli und Michael G. Wilson, dass die Aufgabe übernommen hat, das Erbe ihres Stiefvaters, des Produzenten Albert R. Broccoli, fortzuführen, ist es mit der Fortschreibung von „Casino Royale“ gelungen, den Radikalumbau der 007-Saga weiterzutreiben: Dieses Mal allerdings mit dem geringst möglichen Risiko. Es scheint, als wollte man den unerwarteten Erfolg des Vorläufers aufs Spiel setzen.
Der James Bond der auslaufenden Nullerjahre ist superstark, superhart, superkalt und (fast) humorlos, was angesichts der Altherrenwitze, die sich durch die 007-History ziehen wie eine Leine voller vollgekackter Opa-Windeln sehr wohltuend ist. Dem jungen Bond (die aktuellen Plots spielen alle vor dem Erstling „Dr. No“ von 1962, sind allerdings für die Jetztzeit adaptiert worden) sind Statussymbole, ja sogar die Art und Weise, wie sein späteres Lieblingsgetränk zubereitet wird, noch herzlich egal. Solange alles sich dem eigentlichen Ziel unterordnet, ist es ihm alles recht. Da wird schon mal ein Aston Martin zerschrotet, ohne dass ihn das rühren würde. Hauptsache, die Geisel im Kofferraum überlebt und spuckt ihr Wissen aus.
Der von Daniel Craig verkörperte James Bond kommt völlig austrainiert daher. Wunden und Schmerzen nimmt er hin, steckt sie weg und wirft sich sofort ins nächste Gefecht. Wenig bis nichts scheint ihn wirklich zu berühren. Doch tief in ihm drin, im blauäugigen Blondschopf, lauert dann doch eine romantische Ader und wenn man alles zusammen nimmt und wenn man ihn so agieren sieht, können einem seltsame Assoziationen kommen. Zum Beispiel zum edlen Supermenschen-Entwurf, so wie ihn z.B. auch die Nazis im Sinn hatten. Hier wirkt Bond/Craig, die totale Kampfmaschine, mitunter ziemlich befremdlich.
Leider hält nun „Quantum of Solace“ den hochgesteckten Erwartungen nicht ganz stand. Das hat Gründe, die im Folgenden benannt werden sollen.
Zu aller erst ist da mal der Titelsong. Ich hatte ja gedacht, dass es nach dem 86er Tiefschlag „The Living Daylights“ von den zumindest da unerträglichen a-ha nicht schlimmer kommen könnte. Ich meine, man kann sich über die Qualitäten der Titelsongs, die ja stets auch den vorherrschenden Zeitgeist widerspiegeln, trefflich streiten, und ich stehe wahrscheinlich auch ziemlich alleine da mit der Meinung, dass selbst die Songs von Garbage (The World Is Not Enough), Sheryl Crow (Tomorrow Never Dies) und sogar Chris Cornells „Know My Name“ ziemlich okay sind. Aber das, was Alicia Keys und Jack White da abgeliefert haben, ist im Kontext mit Bondsongs gesehen eine Frechheit. Mir erschließt sich nicht, was man sich mit diesem dekonstruktiven Monster gedacht hat. Das es mit durchaus mehr Grandesse geht, beweist David Arnold, der ansonsten für die Bond-Scores zuständig zeichnet, auch diesmal wieder. Was für ein Jammer also, dass das „traurige Pferd“ Amy Winehouse (O-Ton Noel Gallagher) mittlerweile so kaputt ist, dass sie bzw. Mark Ronson kein vernünftiges Lied fertig bekommen haben.
Und auch meine anfängliche Skepsis Regisseur Marc Forster gegenüber hat sich leider bestätigt. Der Film will innerhalb seiner 106 Minuten einfach viel zuviel. Will internationale Verstrickungen und Verquickungen zwischen MI6 und CIA, internationalen Konzernen und nationalen Regierungen aufzeigen, will die globalen Krisenthemen Ökologie im Allgemeinen und Wasserknappheit im Besonderen vermitteln. Den Ölhunger der USA, denen jedes Mittel recht ist, um an die letzten diesbezüglichen Reserven zu kommen. Will zeigen, wie genehme Regierungen „gemacht“ werden können. Man will also komplizierte Themen und Sachverhalte vermitteln, die selbst ohne die im Millisekunden-Stakkato aneinander geschnittenen Bilder schon schwierig zu verstehen sind. Bondfilme sind Mainstream, und die Masse des Kinopublikums besitzt nun mal keinen, bis in alle Untiefen gehenden (geo)politischen Überblick. Und nicht nur den verliert man schon zu Beginn des Streifens. Die Anfangssequenz, in der sich Bond im arg ramponierten Aston Martin ein bis zur Unsehbarkeit verschnittenes Duell mit seinen dauerfeuernden Verfolgern liefert, könnte so auch aus einem Computerspiel stammen. Zwar haben die schnellen Schnitte und extrem verwackelten Bilder den Sinn, die aus Werterhaltungsgründen eher etwas langsamer fahrenden Leihfahrzeuge der Premium-Marke schneller zu machen und so der Szene mehr Rasanz zu verleihen, aber es gibt auch einen Punkt, ab dem der Zuschauer einfach nur noch eine schrill flackernde Leinwand wahrnimmt. Dazu brüllende Motoren und das Dauerrattern der Maschinenpistolen. Geräusche die sich durch den ganzen Film ziehen und sogar danach noch in den Ohren klingeln. Darüber hinaus jettet Bond, nach mörderischen Duellen teilweise schwer angeschlagen, mehrfach zwischen Südamerika, der Karibik und Europa hin und her, sodass man irgendwann den Überblick verliert, warum er gerade wieder im Learjet sitzt. O.K., das alles ist ja auch mehr oder weniger fantasy fiction und man sollte das auch nicht überbewerten. Aber wenn neuerdings so viel Wert auf Authentizität gelegt wird, dann muss man das auch hier durchziehen!
Und noch eines ist uncool am ansonsten ultracoolen Streifen: Wenn schon product placement, dann bitte nicht mit Serienwagen der Marke Ford. Was in Casino Royale mit dem damals brandneuen Mondeo noch gerade so akzeptabel war, gerät diesmal mit dem neuen, bunt bedruckten Ka, mit dem Bond durch Port-au-Prince zuckelt, zum Ärgernis!
Als Fazit gilt also festzuhalten, dass „Ein Quantum Trost“ eine Art Konsolidierung auf hohem Niveau darstellt, ein Sichern des Erfolges des neu eingeschlagenen Weges. Die Umsätze an den Kinoschaltern zumindest dürften gestimmt haben. Interessant wird es nun, wenn es an die Verfilmung des dritten Craig-Bond geht. Man wünscht sich wieder etwas mehr Witz, eine etwas niedrigeren Schnittfrequenz und vielleicht auch mal wieder, nach all den Karibik- und Südamerika-Ausflügen der letzten Zeit, einen Bond in anderen Gefilden. Im Schnee möglicherweise? Oder gar Südostasien?
Und: Man sollte dem neuen Bond ab und an mal eine Kur gönnen! So fertig und ramponiert, wie er in den letzten beiden Filmen aussah, kann es, wenn’s glaubhaft bleiben soll, nicht weiter gehen, Auch hier wünscht man sich vom ansonsten sehr effizient arbeitenden Agenten mehr Effizienz!

Sven Hartig

(Bild unter CC Lizenz)

Du merkst, dass du alt geworden bist, wenn deine Parties am frühen Nachmittag beginnen und in einem Garten abgehalten werden. Die Musik, die aufgelegt wird, die nicht abgestellt wird, ist das Plärren einer Horde Kleinkinder. Du gehst hinaus auf den Bootssteg und aschst deine Zigarette in den See. Du trittst die Kippe in die Holzplanken. Du bildest dir ein, für nur einen kurzen Augenblick, du würdest kleine Löcher brennen, in das bedrückende Idyll, das sich deine Kommilitonen von einst hier wie auf Leinwand gemalt haben. Dabei befolgst du doch nur ihren Rat, nicht vor den Kindern zu rauchen. Du bläst Rauchringe über den See, und wenn du die Augen zusammenkneifst, kannst du dich glauben machen, die Wildenten, die sich gerade von der Wasseroberfläche erhoben haben, fliegen mitten hindurch, durch diese Ringe. Das sind die Kunststücke, die du kannst. Du siehst den Enten nach und hörst die Kinder nicht, weil sie sich auch angeschlichen haben, bis sie dich anstoßen, heimtückisch, von hinten, und kreischen wie eine losgelassene Meute nichtsnutziger, gemeiner Teufel. Aber du erschrickst nicht, du zuckst nicht zusammen, kein bisschen. Du drehst dich um. Du schaust sie an, diesen Jungen und das Mädchen, die sich so erstaunlich ähnlich sehen, und du siehst die Enttäuschung auf ihren Gesichtern, wie das garstige Grinsen ihnen aus den abwärts sich krümmenden Mundwinkeln fällt. Du schaust sie an. Du schaust durch sie hindurch.

Du schaust durch sie hindurch, und du siehst dich selbst. Nicht in ihnen, diesen Kindern, siehst du dich. Du siehst dich durch sie hindurch. Du siehst dich auf einer harten Pritsche eines schmutzigen Abteils in einem Zug, der klappernd, zitternd, entlang eines schieren Abhangs kriecht. Du siehst dich und du siehst müde aus. Du siehst dich wie du auf den alten Chinesen schaust, der an einer langen, alten und aufwändig geschmückten Pfeife zieht, und du bist froh, dass der Zug keine Fenster mehr hat. Dennoch frisst sich der barbarisch stinkende Qualm, den der Alte aus der Pfeife zieht, in deine Nase, deine Augen, deine Haut, deine Kleidung. Du glaubst längst nicht mehr daran, dass jeder Pfeife schmauchende alte Chinese, der sich nachdenklich dreinschauend über lange weiße Bartfäden streicht, die ihm aus einem gigantischen Leberfleck sprießen, ein Philosoph ist. Du willst nicht mit ihm reden. Du schaust ihn nur böse an. Und der Alte, der lächelt. Dann fragt er dich, woher du kommst. Du sagst nicht: vom Mars. Oder: vom Pluto. Oder: aus Polynesien. Das ist dir längst zu blöd geworden. Du knirschst einfach nur hervor, durch deinen wild gewucherten Bart: Deutschland. Knirschst du. Und der Alte, er nickt, als wüsste er, wo das ist. „Deutschland, Deutschland“, murmelt er „ach, Deutschland.“ Und dann: „Sag an, ist das nicht das Land, seid das nicht ihr Deutschen, die immer als Zwillinge geboren werden?“ Und du lachst, du lachst über ihn, du lachst ihn aus, diesen alten Mann, und dann korrigierst du ihn. Du sagst: „Da hat man Ihnen aber einen Bären aufgebunden“, und du hältst ihm deine Finger ganz nah vor die trüben Augen, drei Finger: „Deutsche werden immer als Drillinge geboren, immer. Drillinge.“ „Ach“, macht der Alte und zieht wieder an seiner stinkenden Pfeife.

„Hallo!“, rufen die Zwillinge durch den Rauch. „Haaaallllo!“, noch etwas lauter, obwohl du ja genau vor ihnen stehst, diese Blödgören. Du siehst nicht mehr dich selbst, du schaust sie an, die Zwillinge. „Es gibt jetzt Kaffee und Kuchen!“, sagen die beiden gleichzeitig. Sie nehmen dich, jedes Kind bei einer Hand, und sie ziehen dich zurück in den prächtig verschnittenen Garten, in dessen Mitte die große, weiß gedeckte Tafel steht wie ein Persil-Traum. Einer Hochschwangeren wird der Stuhl zurecht gerückt. „Schon wieder eine mit Zwillingen, und das in ihrem Alter – könnte fast die Großmutter sein“, zischelt dir die hagere Brillenschlange hinter ihrer nikotingelben Hand zu. Du ziehst ihr einen Stuhl zurück, bittest sie höflich, sich zu setzen. Sie lächelt ganz entzückt, um ihren runzligen, dunkelrot geschminkten Mund. Dann entschuldigst du dich und setzt dich weit weg, ans andere Ende der Tafel. Neben dir klettern zwei Bengel auf ihre Stühle, Bengel, die sich nur ähnlich sehen, weil sie ganz genau die selben Kleider tragen. „Zwillinge?“, fragst du die Frau, die ihnen kleine Stücklein Torte auf die Teller schiebt. „Ja, haha“, freut sich die Frau über die Aufmerksamkeit, und sie streicht den beiden liebevoll über die blonden Haare. „Kaffee?“, fragt sie. „Äh, nein … Wein, bitte!“, sagst du. Und sie schaut etwas bestürzt. Man sieht ihr, sorgenfaltig, für einen Augenblick ihr Alter an und nicht das junge Mutterglück. Dann bittet sie aber, „Moment!“, und läuft in Richtung der protzigen Villa und du sitzt neben zwei Kindern, die etwas missmutig die letzten Krümel von ihren Tellern stechen und du fragst: „Na Jungs, noch ein großes Stück? Oder zwei?“ Die Bengel grinsen. Wer sagt, dass du kein guter Vater geworden wärst. Du schaust hinüber, zu der verlebten Zimtzicke, Galeristin wahrscheinlich oder Redakteurin, die dir jetzt demonstrativ die kalte Schulter zeigt, und du ringst dir ein Lächeln ab, tatsächlich, das erste Lächeln des Tages, weil du an einen dummen chinesischen Bauern denkst, aus dem ein Prophet geworden ist, und weil vielleicht auch aus dir noch etwas anderes als ein Lügner werden kann.

Weil das aktuelle Heft-Thema “Familie” ist und das neue “Senden-Empfangen” sein wird, hier mal eine Fragestellung, die das eine mit dem anderen verbindet: Was sollen die Gören hören?

Du kennst das Problem. Eigentlich wolltest du am Abend die Beine hochlegen, aber kurz vor Feierabend ist noch dein Kollege gekommen, der für sein den Tokio Hotels entwachsenes bald 14-jähriges Kind, nein Teenager, gern dessen mp3-Player “vollgemacht” hätte mit guter Musik, du wärest doch der richtige dafür, nur auf deutsch müsse es sein, so die einzige Formvorgabe von Vater und Kind.

“Klar, kein Problem” hast du noch gesagt und dir gedacht, das schiebst du mal schnell zusammen, bevor noch die Badewanne vollgelaufen ist. Nun sitzt du da und überlegst hin und her, was du dem jungen Menschen mit auf dem Weg gibst in ein besseres Leben. Der Fluch der Materialfülle wird dir wieder einmal voll bewusst und du wünschtest du wärest beim Persona Non Grata, denn dann könntest du diese plötzlich so unbezwingbare, gleich ist die Wanne voll, Aufgabe an die Leser abdrücken.

Also: Welches Lied würdest DU dem jungen Menschen mit auf dem Weg geben und warum? (Ja-ha, Pädagogik! Jetzt zeigt sich, was für ein Mensch du bist!) Achtung: Jeder bitte nur ein Lied! Unbegründete Einträge werden geflissentlich ignoriert! Denn anhand eurer Einträge werden wir dann den ultimativen “Unser Kinder Musik” Mix zusammenstellen und den gibts dann bei rapidshare, byte.fm, i-tunes oder/und Karstadt – das wissen wir erst, wenn wir die Tracklist kennen. Eure Entscheidung.

Von der Unmöglichkeit „Nein“ zu sagen und dabei jemanden umzubringen.

„Funny Games“ ist kein Film. „Funny Games“ ist ein Experiment, eine Versuchsanordnung. Regisseur Haneke trägt den Laborkittel, wir Zuschauer sind die weißen Mäuse, die sich seinem Versuch aussetzen müssen.
Zwei adrette junge Männer klopfen bei einer Kleinfamilie, bitten um Eier. Einmal eingedrungen in das Innere des Hauses werden die beiden Mann, Frau, Kind und Hund foltern, ermorden. Warum wollen wir so etwas sehen? Weshalb gehen wir für einen derartigen Film ins Kino? Ist Gewalt an sich Unterhaltung?
Aus Hanekes Sicht können wir bei „Funny Games“, einer nichtkontextualisierten Gewaltorgie, die dem Zuschauer sowohl Katharsis als auch Begründungen verweigert und so die Gewalt an sich zum Thema werden lässt, nur verlieren. Entweder kapitulieren wir vor dem Inhalt des Films und verlassen den Kinosaal oder wir durchstehen „Funny Games“ und kapitulieren als Mensch, negieren das Grundsätzlichste unserer Werteordnung.

Die Grundfrage ist aber, ob es überhaupt möglich sein kann, mit dem Zeigen von Gewalt gegen Gewalt zu demonstrieren und wenn, ob der von Haneke mit „Funny Games“ bestrittene Weg gangbar ist.
Truffauts Spruch, dass es keine Antikriegsfilme gäbe, weil jedwede Darstellung – gewollt oder nicht – Krieg aufregend aussehen ließe, ist auch für „Funny Games” gültig. Würde man Truffaut „Funny Games” zeigen und Hanekes Intention erläutern, er würde den Kopf schütteln. Der Österreicher Haneke hat einen handwerklich großartigen, sehr geschickten Film geschaffen, der mit Sicherheit das Nachdenken und Einordnen von Gewalt im Film provoziert. Haneke spielt mit seinem Publikum – mehr als einmal durchbricht er die „vierte Wand” und lässt die beiden Darsteller direkt mit dem Publikum kommunizieren. Haneke lässt den Zuschauer nicht passiv konsumieren, er verdeutlicht immer wieder, dass wir zusehen, dass wir uns einverstanden erklären. Er verweigert Begründungen: keine schlechte Kindheit, keine Dekadenz darf als Entschuldigung für die Taten der Mörder gelten. Sie sind einfach da. Und er verweigert die Erlösung: niemand kommt hier lebend raus.

Als Haneke vor zehn Jahren „Funny Games” gedreht hatte, war heftiges Kopfnicken in europäischen Arthouse-Kinos zu verzeichnen. Haneke hat Recht, wider die Gewalt! Haneke hatte gewonnen, aber war nur halb zufrieden, denn im Grunde war es ja doch nur preaching to the converted. Er wollte aber in das Herz des US-Kinos vorstoßen und seine Predigt in amerikanischen Multiplexen aufgeführt wissen. So verfilmt Haneke ein Jahrzehnt später „Funny Games” exakt 1:1 noch einmal neu mit deutlich mehr Geld und viel größeren Namen in der Besetzungsriege (Naomi Watts und Tim Roth anstelle von Ulrich Mühe und Susanne Lothar) – und dieses Mal wird sein letztendliches Scheitern noch deutlicher.
“Funny Games“, „Salò“ und „Irréversible“.

So Truffauts Ausspruch auch für „Funny Games” zutreffen mag, gibt es doch zwei Filme, die tatsächlich Gewalt im Kino unerträglich werden ließen, dem Zuschauer kaum Eskapismus anboten und ihn so zwangsläufig dazu brachten, sich dem Gesehenen zu stellen anstatt es nur als Unterhaltungselement zu akzeptieren. In einem Interview nannte Haneke Pasolinis Meisterwerk „Salò oder die 120 Tage von Sodom” (1975) als größte Inspiration, als bestes Statement gegen Gewalt, das je gefilmt wurde, als unerträglichsten Film, den er je gesehen hat. Und wie „Sodom” soll auch „Funny Games” dem Zuschauer den Unterhaltungswert verweigern. Du kämpfst dich durch „Sodom” hindurch, du kannst niemals genießen, was du siehst. All die Gräuel sind in einer Kühle dargestellt, dass keinerlei Empathie möglich wird. Pasolinis „Sodom” ist ein politisches Statement, eine Anklage gegen Faschismus und die ihn unterstützenden Kreise, das an Deutlichkeit nichts zu wünschen übrig lässt und damit den Zuschauer zwingt, Stellung zu beziehen. Ein Treppenwitz, dass „Salò“ einst in Deutschland verboten war und auch heute – immer noch auf dem Index stehend – schwer erhältlich ist, nur weil Pasolini Bilder findet, die leider das Schlimmstmögliche im Menschen zeigen. Als würde man mit dem Verbot eines Films das Problem des zügellosen Menschen im sanktionslosen Raum gleich mit entsorgen können!
Einen anderen Weg gegen Gewalt zu demonstrieren bestreitet Gaspar Noés „Irréversible” (2002): ein gewisser Unterhaltungswert ist „Irréversible” nicht abzusprechen, aber Noé spielt mit dem Publikum auf eine viel raffiniertere Weise als Haneke, gerade weil er Motive für die Taten zulässt. Der Geniestreich Noés, den Film komplett von hinten zu erzählen, hat zur Folge, dass die erste (also letzte) Gewalteruption ohne jede Begründung ertragen werden muss – wir wissen noch nicht, warum diesem Mann der Kopf mit einem Feuerlöscher zu Brei geschlagen wird, sind aber von so viel Ekel und Widerwillen gefesselt, dass wir nicht anders können als zuzusehen. Im rückwärts schreitenden Film wird klar, dass es sich um eine Rachetat handelte, die Sühne einer Vergewaltigung. Die Gewalteruption wird also nachträglich begründet und der Zuschauer kann damit besser leben. Doch dann dreht Noé den Film ein weiteres Mal und zeigt die Vergewaltigungsszene in seiner ganzen Länge von neun Minuten, unerträglich, nicht enden wollend. Und noch etwas geschieht: wir Zuschauer sehen dass der Selbstjustizakt, den wir zuvor beobachtet und auf gewisse Weise abgenickt hatten, den Falschen erwischt hat. Noé verweigert uns erst den Kontext, liefert dann eine Begründung, nur um uns erneut den Teppich unter den Füßen wegzuziehen, so dass wir nun mit uns selbst ins Gericht müssen, dass wir eine der brutalsten Szenen der Filmgeschichte und einen Akt der Selbstjustiz rechtfertigten. Wir müssen vor Noé kapitulieren.

„Funny Games” funktioniert in Hanekes Sinn dagegen nur bei Zuschauern, die bereit sind, die Gewalt zu hinterfragen. Dank des Internets kann man dem Volk per imdb-user-comments aufs Maul schauen und seine Vermutung bestätigen lassen: wer „Funny Games“ anschaut weil der Film einen gewissen Ruf des schwer Erträglichen hat, also „Funny Games“ eben wegen der Gewalt ansieht, ist nicht bereit, Gewalt im Film zu verdiskutieren, sondern neigt im Gegenteil dazu – ausgerechnet! – „Funny Games“ über seinen Gore-Gehalt zu besprechen (der im Übrigen gering ist, Haneke zeigt wenig Gewalt tatsächlich). Die Reflexion, die Haneke erreichen will, findet bei diesem Kreis gar nicht statt. Der Film wird hier bestenfalls als langweilig (statt: quälend) abgetan – Haneke gelingt es zwar noch größtenteils den Gorehounds die Gratifikation zu verweigern, aber daraus erwächst kein Hinterfragen. Im schlimmsten Fall wird die Motivlosigkeit und das eiskalte Gebahren dann noch als cool abgefeiert. Das Medium mit seinen eigenen Mitteln zu schlagen ist nur ein Traum: in Interviews geriert sich Haneke aber mit der Hybris des großen Strippenziehers, der sein Publikum manipulieren kann, wie er nur möchte. Er übersieht dabei aber, dass er nur sein Publikum zum Nachdenken bringt, das aber sowieso meist schon zum Hinterfragen bereit ist. Das Publikum dagegen, das er treffen müsste, um nach seinen eigenen Zielen Erfolg zu haben, verfehlt er: es mag faszinierend sein, Haneke bei seinem Experiment zuzusehen aber letztlich bekommt er die weißen Mäuse in den Multiplexen eben doch nicht zu fassen.

Artwork (Auszug) von Loïg

Im modernen Horrorfilm werden seit jeher sehr innig die Schrecken verarbeitet, welche sich mit dem Vertrauten des Alltags maskieren. Als Beispiel sei hier die Zerstörung der Familie durch die Archetypen des Grauens und die Stilisierung der Mutter oder des Vaters zur Bedrohung aufgeführt. Bspw. tritt uns das beängstigende Bild der Mutter in „Psycho“ entgegen, wo in der gespaltenen Persönlichkeit des Norman Bates die imaginierte Mutter die Herrschaft übernimmt, sobald der Sohn erotische Gedanken hegt. Auch in „Carrie“ nimmt der Muttermord eine zentrale Stellung ein. Die fanatisch religiöse Mutter reagiert hier auf die Menstruationsprobleme ihrer Tochter nicht mit Verständnis, sondern bekämpft die erwachende Sexualität als Äußerung des Bösen. In dem ein Jahr vor „Psycho“ entstandenen „Peeping Tom“ ist es der übermächtige Vater, dessen Einfluss in dem stillen, aber mörderischen Sohn weiterlebt. In der Regel erscheinen jedoch die Mütter in der bedrohlichen Rolle: direkt wie in „Muttertag“, wo eine Frau ihre Söhne zu bestialischen Morden treibt, oder in „Freitag, der 13.“, wo der Unfalltod eines Jungen von der Mutter am jugendlichen Personal gerächt wird; indirekt wie in „Alien“, wo der Zentralcomputer den Namen „Mutter“ trägt oder wie in Stephen Kings Roman „Sie“, indem das Verhältnis des gemarterten Helden zu seiner Peinigerin, einer Krankenschwester, die Züge einer Mutter-Kind-Beziehung trägt. (frei nach Hans D. Baumann „Horror-Die Lust am Grauen“ Beltz 1989)

Sehr oft magnetisieren sich die Termina Familie und Grauen über den Einzug in diverse Spukhäuser. Dort wird die bürgerlich eingeschriebene Geborgenheit dieses gesellschaftlichen Konstrukts desöfteren auf harte Proben gestellt. Eine weitere Vorzugsvariante bietet die durch einen weirden Slasher vorgenommene Tyrannei einer vorbildhaften Familienidylle. Hier greifen die Mechanismen des Horrorfilms in der Regel am Bildhaftesten. So ist es , wie bspw. großartig in Wes Cravens „Hügel der blutigen Augen“ geschildert, dann auch möglich, überkommene Familien-Hierarchien zu kritisieren bzw. das allgemeine Bild von Familienzusammengehörigkeit in Sachen Verteidigung der Heimstätte etc. zu belichten oder zu konterkarieren.

Eine weitere Varietät besteht dann, wenn historische Vorgeschichten die Protagonisten regelrecht narkotisieren. So bricht die Familie in Giovinazzos „Combat Shock“ wegen der Erlebnisse des Vaters in den Wehen des Vietnam-Krieges auf äußerst drastische Art und Weise auseinander.
In Cammels „Des Teufels Saat“ versucht wiederum, mittels typischem 70’er Technisierungs-Pessimismus, ein Computer die Rolle des Familienoberhauptes zu übernehmen. Zugegeben, bis heute eine besonders unheilvolle Vision, welche aber mittlerweile von der Realität längst eingeholt wurde.

Allerdings kann die Familie im Zusammenwirken auch das Fundament des Grauens in Personalunion von sich aus stellen. Rob Zombies Familie Firefly oder Tobe Hoopers Saw-Family gehören hier zu den eindrucksvollsten Aspiranten.
Das Storyboard-Pool der Familie mit all seinen Verzweigungen dürfte somit dem Horrorgenre noch für eine lange Zeit zu Gute kommen. Zu doppelbödig geben sich die hier vorgefundenen Verwachsungen in der Realität. Grundtenor des Horrorfilms bleibt nun einmal die von außen oder innen vollführte Zerstörung anfangs unkaputtbar scheinender Idyllen, von denen die Familie zu den umzäuntesten Selbigen gehört. Wer sagt schließlich schon, dass ein natürlicher Tod Zusammengeführtes scheiden muss?

Hier eine unvollständige Auswahl zum Themenkreis Horror und Familie:

Acacia (Südkorea/2003) Regie: Park Ki-Hyung – adoptierter und später vermisster Sohn wird zum Auslöser der Totalzersplitterung einer Familie
Amityville Horror (USA/1979) R: Stuart Rosenberg – Spukhaus fördert Gewaltbereitschaft in der Familie Lutz
Amityville II-Der Besessene (USA/1982) R: Damiano Damiani – noch drastischerer Sinneswandel wie im Vorgänger
Amok (GB/1976) R: Pete Walker – Bewusstseinsspaltung vs. Familie
The Boogey Man (USA/1982) R: Ulli Lommel – wiedergeborener Slasher malträtiert Familie
Die Brut (Kanada/1979) R: David Cronenberg – Mutter mit telepathisch vernetzten Monsterkindern
Bullies (USA/1985) R: Paul Lynch – Stadtfamilie von Backwood-Bewohnern terrorisiert
Carrie-Die jüngste Tochter des Satans (USA/1976) R: Brian de Palma – siehe oben
Cathy’s Curse (Frankreich/Kanada/1976) R: Eddy Matalon – Tochter der Familie Gimble von bösem Geist besessen
Chiller-Kalt wie Eis (USA/1985) R: Wes Craven – tiefgekühlter Sohn macht bei Rückführung in die Familie Schwierigkeiten
Chucky-Die Mörderpuppe (USA/1988) R: Tom Holland – in eine Puppe eingefahrener Mörder bedroht Mutter-Kind-Beziehung; in zwei Fortsetzungen weitergeführt
Combat Shock (USA/1986) R: Buddy Giovinazzo – siehe oben
Cry Of The Werewolf (USA/1944) R: Henry Levin – Werwolf-Familie
Cujo (USA/1983) R: Lewis Teague – Mutter beschützt Sohn vor tollwütigem Bernhardiner
The Curse (USA/1987) R: David Keith – Meteorit fördert Gewaltbereitschaft einer Familie
Daddy’s Girl (USA/1996) R: Martin Kitrosser – mörderische Tochter mit Vaterkomplex
The Dark (USA/2005) R: John Fawcett – unerklärliche Ereignisse gefährden Familienidyll
Dark Paradise (USA/1987) R: John Hough – degenerierte Familie drangsaliert Insel-Urlauber
Darkroom (USA/1989) R: Terrence O’Hara – Familie vs. Axt-Schwinger
Dark Society (USA/1989) R: Brian Yuzna – festgeschriebene Familienhierarchie entpuppt sich als überirdischer Sündenpfuhl
Dark Water (Japan/2002) R: Hideo Nakata – Mutter schützt Kind vor „geisterhaften Wasserschäden“
Death Valley (USA/1982) R: Dick Richards – Schlitzer verfolgt Familie in Urlaub
Dementia 13 (USA/1963) R: Francis Ford Coppola – Familie auf Schloss von Slasher bedroht
Des Teufels Saat (USA/1976) R: Donald Cammell – siehe oben
The Destructor (USA/1987) R: Paul Leder – geistig Verwirrter sucht Familie heim
The Devil’s Rejects (USA/2005) R: Rob Zombie – siehe oben
Diabolisch (GB/1971) R: James Kelly – teuflischer Sohn
Distant Cousins (USA/1992) R: Andrew Lane – Psycho-Familie
Dreizehn Stufen zum Terror (USA/1980) R: George Edwards – Vater in Rollstuhl terrorisiert Tochter
Echoes-Stimmen aus der Zwischenwelt (USA/1999) R: David Koepp – Familienvater wird von Dämonen geplagt
Das Engelsgesicht-Drei Nächte des Grauens (USA/1982) R: Philippe Mora – Sohn gerät in blutrünstige Mordserie
Der Exorzist (USA/1973) R: William Friedkin – Dämon fährt in Tochter
Exte-Hair Extensions (Japan/2007) R: Sion Sono – Mutter schützt Kind vor dämonischer Haar-Üeberproduktion
Fido (Kanada/2006) R: Andrew Currie – historifiziertes Familienidyll mit Zombie-Haustierhaltung
Freitag, der 13. (USA/1979) R: Sean S. Cunningham – siehe oben
Friedhof der Kuscheltiere (USA/1989) R: Mary Lambert – Familie vs. Zombie-Friedhof
Frightmare (GB/1974) R: Pete Walker – weirdeste Familienverhältnisse
Funny Games (Österreich/1997) R: Michael Haneke – besonders drastische Zerpflückung von Familienverhältnissen durch zwei jugendliche Überdrüssige
Gefangene der Bestien (USA/1980) R: Robert Collins – Familie vs. Großwild
The Girl Next Door (Jack-Ketchum’s-Evil) (USA/2007) R: Gregory Wilson – alleinerziehende Mutter im Gewaltrausch, extrem bedrückend
Grandmother’s House (USA/1989) R: Peter Rader – Vollwaisen bei Psycho-Großeltern
Grotesk-Der Kampf ums Überleben (USA/1987) R: Joe Tornatore – Familie von Jugendgang tyrannisiert
Gruesome Twosome (USA/1967) R: Herschell Gordon Lewis – Killendes Mutter-Sohn-Duo
The Hamiltons (USA/2006) R: The Butcher Brothers – Familie stillt Blutdurst
Die Hand an der Wiege (USA/1991) R: Curtis Hanson – psychopathischer Fremdkörper in familiärem Idyll
Das Haus an der Friedhofsmauer (Italien/1981) R: Lucio Fulci – Familie beherbergt unwissend mordlüsternen Zombie
Das Haus der lebenden Leichen (USA/1979) R: Joseph Ellison – psychopathische Mutter-Sohn-Beziehung
Das Haus der lebenden Toten (USA/1991) R: Robert Mandel – Familie in Spukhaus
Das Haus der 1000 Leichen (USA/2003) R: Rob Zombie – siehe oben
Haus des Bösen (USA/1972) R: Steven Spielberg – Familie in Geisterhaus
Hell’s Resident (Spanien/2006) R: Jaume Balaguero – Jungfamilie versus degenerierte „Maklerin“
Holy Terror (USA/1976) R: Alfred Sole – böses Kind manipuliert Familienidyll
Home Sweet Home (Hongkong/2005) R: Soi Cheang – Mutter beschützt Kind vor Geisterwohnung
Horror House II (Italien/1990) R: Clyde Anderson – Geistlichen-Familie in Spukhaus
Hotel zur Hölle (USA/1979) R: Kevin Connor – Motel-Familie verarbeitet Pannenopfer zu Rauchfleisch
House (USA/1986) R: Steve Miner – Jungfamilie in Spukhaus
Hügel der blutigen Augen (USA/1977) R: Wes Craven – siehe oben
Im Blutrausch des Satans (Italien/1971) R: Mario Bava – Filmschluss enthält drastische Umfunktionierung der familiären Bedrohungsverhältnisse
Invasion vom Mars (USA/1986) R: Tobe Hooper – Familie vs. Aliens
Ju On-The Grudge (Japan/2003) R: Takashi Shimizu – horrible Familienvorgeschichte bestimmt nachfolgende geisterhafte Ereignisse
Kap der Angst (USA/1991) R: Martin Scorsese – Racheengel De Niro würfelt intakte Familie durcheinander
Das Kindermädchen (USA/1989) R: William Friedkin – geisterhafter Fremdkörper in familiärem Idyll
Kiss Daddy Goodbye (USA/1981) R: John Cedar – wiedererweckter Horror-Daddy
Landhaus der toten Seelen (USA/1976) R: Dan Curtis – Familie in Spukhaus
The Last House On The Left (USA/1972) R: Wes Craven – Eltern eines Vergewaltigungsopfers üben Rache
Lunchmeat (USA/1987) R: Kirk Alex – Kannibalen-Familie beliefert Fast Food-Kette
Das Mädchen am Ende der Straße (USA/Kanada/1976) R: Nicolas Gessner – 13-Jährige mit Phantom-Vater verteidigt sich gegen Sittenstrolch
Der Mann mit dem Katzenkäfig (USA/1969) R: Mark Robson – rachelüsterner Psychopath bedroht Familie
Meine teuflischen Nachbarn USA/1989 R: Joe Dante – merkwürdige Familie in US-Vorort
Die Meute (USA/1977) R: Robert Clouse – Familien vs. tollwütige Hunde
Muttertag (USA/1980) R: Charles Kaufman – siehe oben
Das Omen (USA/1975) R: Richard Donner – Familie vs. Antichrist
The Phone (Hongkong/2003) R: Ahn Byeong-Ki – Mutter beschützt Kind vor Handy-Dämon
Poltergeist (USA/1982) R: Tobe Hooper – Geister bedrohen US-Durchnittsfamilie; zwei ähnlich gelagerte Fortsetzungen
Prey (Südafrika/USA/2007) R: Darrell Roodt – Familie vs. Raubkatzen
Psycho (USA/1960) R: Alfred Hitchcock – siehe oben, weitere drei Fortsetzungen
Psychock (USA/1980) R: Denny Harris – strange Familie in Strandhaus
Das Ritual (USA/1986) R: John Schlesinger – Teufelssekte bedroht Familie
Rosemaries Baby (USA/1968) R: Roman Polanski – Teufelssekte bedroht Jungfamilie
Sado-Stoß das Tor zur Hölle auf (Italien/1980) R: Joe D’Amato – Mutter unterstützt mörderische Liebeskrankheit des Sohnes
Satan’s Bed-Das Todesbett (Hongkong/1986) R: Bam Bang Subana – Asia-„Poltergeist“-RipOff
Satanic-Ausgeburt der Hölle (USA/Niederlande/1987) R: Robert Martin Carroll – Backwood-Familie entführt Kind
Schmelztiegel des Grauens (GB/USA/1969) R: Viktor Ritelis – reinkarnierter, sadistischer Vater kehrt in Familie zurück
Schönen Muttertag-Dein George (USA/1973) R: Darren McGavin – Adoptivkind auf blutiger Suche nach leiblicher Mutter
7 Days To Live (D/Tschechien/USA/2000) R: Sebastian Niemann – Familie in Spukhaus
Shining (GB/1979) R: Stanley Kubrick – Familie vereinsamt folgenschwer in eingeschneitem Hotel
Silent Hill (Frankreich/Japan/USA/2006) R: Christophe Gans – Mutter versucht, Kind vor Dämonen zu schützen
Spur in den Tod II (USA/1987) R: Joseph Ruben – Psychopath schleicht sich in Familie ein
Stepfather II (USA/1989) R: Jeff Burr – Psychopath schleicht sich in Familie ein
Stimmen (GB/1973) R: Kevin Billington – Eltern vernehmen Geisterstimme des verstorbenen Sohnes
Strays-Blutige Krallen (USA/1991) R: John McPherson – Jungfamilie vs. verwilderte Katzen
Sublime (USA/2007) R: Tony Krantz – Familienvater erlebt Parallelwelt
Terror-Augen (USA/1980) R: James Polakof – Familie in Strandhaus von Dämon heimgesucht
Texas Chainsaw Massacre (USA/1974) R: Tobe Hooper – siehe oben, etliche Fortsetzungen und Remakes
Timber Falls (USA/2007) R: Tony Giglio – Familiengründung nach Backwoods-Art
Die Todesfarm (USA/1986) R: Fred Olen Ray/Donn Davison – Gangster terrorisieren Familie
Troll (USA/1985) R: John Carl Buechler – Jungfamilie bezieht Haus mit Tor zu Fabelwelt
Twice Dead-Weder tot noch lebendig (USA/1988) R: Bert Dragin – Familie wehrt sich in Spukhaus gegen Jugendgang
Unhinged (USA/1982) R: Don Gronquist – Unfallopfer in den Fängen von Weirdo-Familie
Vatertag (USA/1992) R: Guy Magar – Psychopath schleicht sich in Familie ein
Die Verfluchten (USA/1960) R: Roger Corman – der Fall der Familie Usher
The Visitors-Besucher im Haus (Schweden/1988) R: Joakim Ersgard – Poltergeister bedrohen Familie
Der Voodoo-Fluch (USA/1986) R: Richard Friedman – Familie leidet unter Fluch eines ehemaligen Sklavenhändlers
Die Vorahnung (USA/2007) R: Mennan Yapo – überirdische Gabe bringt Familienleben in Unordnung
Das Waisenhaus (Mexiko/Spanien/2007) R: Juan Antonio Bayona – Familie in Geisterhaus
Weiblich, ledig, jung sucht… (USA/1992) R: Barbet Schroeder – psychopathischer Fremdkörper in familiärem Idyll
Wenn die Gondeln Trauer tragen (GB/1973) R: Nicholas Roeg – Inkarnationsthriller in Familie der anderen Art
Wer Gewalt sät (GB/1971) R: Sam Peckinpah – Stadtfamilie in verschworener Dorfgemeinschaft
West Coast Horror (Australien/1987) R: Karl Zwicky – Makler in den Fängen von degenerierter Familie
Die Wiege des Bösen (USA/1974) R: Larry Cohen – Familie mit Monsterkind, zwei Fortsetzungen
Wiegenlied des Grauens (USA/1982) R: Richard Lang – Familie in geisterhaftem Landhaus
Wrong Turn (USA/2003) R: Rob Schmidt – besonders degenerierte Backwood-Familie, eine Fortsetzung

Sterne fallen nicht. Es sind nur Steine die vom Himmel stürzen, und sie wedeln mit einem feurigen Schweif, der durch den Äther blinkt. Nur das Moment des Falls gibt ihnen die Kraft für ihr kurzes, falsches Leuchten. Dann schlagen sie auf. Sterne sind ewiger als der Augenblick kruder Romantik, in dem das Flackern fallender Steine sich so problemlos übersetzen lässt: Sieh dort.  Etwas wünschen darfst du dir. Und in der Annahme, dass dieser Herzenswunsch ein vorsichtiger Griff an die Titten ist, gar ein schneller Kuss auf die für diesen winzigen Augenblick ungeschützte Wange, initiiert man den Anfang eines langen leidvollen Endens, stößt man sie an, die sich in perpetuum immer tiefer in die Seele schneidende Zyklen der Qual. Der Moment wandelt sich in eine Ewigkeit, und man mag es dennoch kaum glauben, dass die Kräfte, die einem die Schultern bis unter den Acker drücken und die Sterne seit Äonen am Firmament schweben lassen, im Grunde nur eine, die eine gleiche sind.

I feel something is pulling me down

Forcing me between myself and the ground

Of all the nightmares that ever came true

I think that gravity is you*

Die Welt aber ist ganz sicher nicht paradox gebaut, nur so, dass wir sie nicht verstehen. Lediglich dass das selbst Menschen so geht, die sich in ihrem Werk als something very close to genius ausweisen, und sie all ihre Kunst nun aufbringen, um Lieder über herzzerreißendes Scheitern zu schreiben, macht das alles erträglich. Es sind Bands wie diese bezaubernd melancholisch debütierenden Stars, die uns so barmherzig ungeniert ihre eigenen klaffenden Wunden an die Lippen setzen. Es ist das Verstehen in Songs wie „The First Five Times“ und „One More Night“, das vitalisierend durch die Venen brennt, bevor die dunkle Prophezeiung sich erfüllt, für die wir viel zu feige sind, einzig feige, denn verzweifelt sind wir immer, seit dem ersten Geschmack von im Eifer wundgebissenen Lippen: When you’ve got nothing left to burn, you’ll have to set yourself on fire.

Im Sommer 2005 kündigten City Slang nach einem Jahr quasi Funkstille ihre Rückkehr an.  In Persona Non Grata # 66 erschien ein umfangreiches Labelsspecial und eine CD-Beilage des Labels ließ Geschichte und Zukunft von City Slang wunderbar nachvollziehen.  Der Opener dieser “No Hits”-Compilation kam von den Montrealer Stars.  Und ein sicherer Steigbügel für den fulminanten Wiedereinstand  des Labels als deren grandioses Debüt  „Set Yourself on Fire“  war kaum vorstellbar – ein aus aufrichtigen Herzen gebluteter Brennstoff für den gewaltigen Aufstieg unter die himmelhohen Klassiker in den Labelannalen.

Ein paar letzte Exemplare der Persona Non Grata #66 können im Shop noch bestellt werden.

* Zitat Type O Negative, nicht Stars

]]> http://www.persona-non-grata.de/2005/09/22/stars-gravitationskonstanten/feed/ 0 http://www.persona-non-grata.de/2003/09/06/rage-of-achilles-verschworung-des-larms/ http://www.persona-non-grata.de/2003/09/06/rage-of-achilles-verschworung-des-larms/#comments Sat, 06 Sep 2003 19:45:20 +0000 Nimrod http://www.persona-non-grata.de/?p=847

“I’m sure my neighbours think living next to me is hell unleashed…”
Duncan, Rage of Achilles

Eine Bewegung ist Bewegung. Nicht ihre Traditionen sind es, die die Entwicklung hemmen. Es sind die zelotischen und völlig unerbetenen Verteidiger eines optimalen Status, den diese selbst innerhalb der Grenzen ihrer sehr beschränkten Vorstellungskraft definieren und für die Ewigkeit kanonisieren wollen. Die Konservativen agieren aus einer Schwäche, und diese Schwäche wird schließlich offensichtlich werden, wenn die genuine Kraft der Bewegung sich an ihren anmaßenden und lächerlichen Barrieren vorbeischiebt.

Es liegt eine Kraft im Metal, eine Kraft, von der die Bewegung viel länger schon als zwei Dekaden zehrt, eine Kraft, die der Bewegung ein Moment verleiht, das sie stetig jenseits der Grenzen treibt, denen man immer zu schnell zuschreibt, sie könnten nicht mehr überwunden werden. Der Stammbaum keines anderen Genres ist so verzweigt wie der des Metal. Ausdruck einer steten Brechung mit den Zwängen, die der Konservativismus dem Genre anzulegen droht. Die populäre Illusion, Metal sei ein Hort der Stagnation, eingelegt in okkulte Lake, um eine fusslig, ledrige Fassade zu wahren, ist die erfolgreichste Lüge des Konservativismus – jenseits marketingkonstruierter New Metal Begrifflichkeit und der Kanonisierung jahrzehntealter Schemen gehört Metal zu den deutlichsten Inspirationen vieler Künstler, die man ob ihres mühelosen Transzendierens tradierter Genregrenzen gerne mit der Silbe “post-”apostrophiert, und auch von mithin des Spektrums Metal wird wie wahnsinnig gegen die beklemmenden Genredefinitionen getreten.

Es gibt in der westlichen Hemisphäre kaum einen Markt für Heavy Metal, der konservativer ist als der deutsche, konstatiert Duncan. Die Veröffentlichungen seines Labels Rage of Achilles, das einige der derzeit aufsehenerregendsten Reisen in die äußeren Dimensionen des Metal unterstützt, bersten in den meisten Fällen gnadenlos durch das Konsensschema, das die Meinungsführer der hiesigen Metalszene zu leiten scheint. “It’s not the heavy metal fans as such”, glaubt Duncan. “I think it may be because of the very big German metal labels that dominate the market place. It’s a big business for them, with a lot of money involved, so that level seems to dominate. Who knows ?! But it seems to keep a closed door to more extreme or forward thinking ideas.”

Im Schatten der mächtigen Trutzburg “Trueness”, über die vor allem in Deutschland der Metal-Mainstream tyrannisch wacht, aber tobt der Aufstand, schließen sich neue Netzwerke, alliieren sich die Mächte des Wahnsinns, um die Welt, die sie geboren hat, in ein kathartisches Feuer zu stoßen…

the axis of perdition.

Die Achse ist eine Allianz, deren gemeinsamer Anspruch auf Veränderung und vor allem den eigenen Bruch durch die Ignoranz eine tatsächliche Vielfalt eint. Seit 1999, binnen nur weniger Jahre, hat sich das britische Label Rage of Achilles zu einem der aufregendsten Foren der Metalgeschichte entwickelt – es steht für die Diversität innerhalb des weit gesteckten Umfeldes, für ein Pendeln zwischen den Traditionen und der Zukunft – eine wahnsinnige Reise, die in der qualitativen und ästhetischen Geschlossenheit des Katalogs jedoch nachvollziehbar wird. Es scheint nicht vorgesehen, dass die Portugiesen ThanatosShizo in diesen Dimensionen auf die Black Metal Avantgardisten Axis of Perdition treffen – ihr in sanften, goldbraunen Farbtönen herrlich nostalgisch nuanchierter Goth-Metal würde wahrscheinlich niedergewalzt, zögen Axis of Perdition tatsächlich in den proklamierten All-Out-War:

”We are disgruntled by the untold hordes of bands that seem to be happy with replicating their favourite early nineties records without any of the original spark, individuality and integrity of that era as a platform for promoting themselves and spouting diluted, misinterpreted versions of wiser people’s ideals, as well as fatuous notions of ”Trueness” that demands that bands follow the exact blueprints of their fans instead of themselves. This kind of bands are dead weight to be shed, dross to be exterminated.”

Einer der wichtigsten, und deshalb hier vorangestellt betonten Verdienste von Rage of Achilles Gründer Duncan ist jedoch, dass er diese Extreme ausbalanciert, dass er diese wie gegeneinander strebenden Kräfte zu einer umfassenden Vision von Metal bündelt – im Repertoire des Labels spiegelt Metal seine vielfältigen Facetten in ihrer glorreichsten Brillanz.

“Yes”, pflichtet mir Duncan bei, als ich ihn mit meiner Wahrnehmung starker futuristischer Elemente sowohl in der visuellen Repräsentation des Labels als auch im Sound und den konzeptionellen Referenzen einiger Rage-of-Achilles-Acts konfrontiere. ”There is a futuristic element to a lot of the things that we do visually and sometimes musically. I find it exciting to see how far this music can go.” Gleichzeitig verweist er aber auch auf seine Vorliebe für Klassischen Metal und impliziert, dass er es für ausgeschlossen hält, dem Spektrum seines Labels eine Grenze zu definieren, die er – gäbe es nur eine unwiderstehliche Möglichkeit – sofort wieder einreißen würde. Duncan tritt sicher auf die schmalen Stege zwischen den geifernden Konservativismus-Fallen. Zeitgeist kann eine der tückischsten Tarnungen sein. “I’m also a huge Warlock fan and Iron Maiden are one of my favourite bands, so I’m a big believer in the power of classic heavy metal.”

further along the left hand path

“Evolution for evolution’s sake can be unnecessary”, betont Duncan, als sei dies eine der grundlegendsten Maxime hinter Rage of Achilles Records – sorgsam scheint jedes neue Release zu der bereits beeindruckenden Vielfalt assembliert. Gerade wenn man sich dem unglaublichen Charme der geschickt mit ihren Hellhammer Referenzen spielenden Kanadier Underlord oder auch der in ihrem Anachronismus vollkommenen ThanatosShizo ergibt, versteht man die Essenz dieser Botschaft unumständlich: wäre der Fortschritt ein Dogma, würde er eine verfluchte Geißel werden. “I’m a music lover first and foremost, so I know what I like. But it’s sometimes hard being so devoted to the music whilst working a business. But put it this way, if a release is going really well, it makes it all feel good.”

Diese beiden Faktoren spielten vor allem bei den ersten Veröffentlichungen von Cult of Luna und Omnium Gatherum hervorragend zusammen. Beide Alben trugen erheblich dazu bei, dass sich der Untergrund auf seiner großen blanken Karte einen weiteren herrlich schwarzen Flecken markierte. Beide Alben waren die Erfolge, die Duncans Enthusiasmus mit einer solideren ökonomischen Basis und einem gefestigten internationalen Status affirmierte. “The most rewarding experience of all of this is to feel the power and strength of heavy metal and to investigate the darker paths of my life. As for the most rewarding moments of the label so far, building the campaign with Omnium Gatherum for the release of their “Spirits & August Light” album has definitely been a high point for me.”

“I think the only way to keep bands after you’ve offered a fair contract is to work hard and keep in close contact all the time. I have some very good personal and working relationships with most of my bands, and I think that keeps it all together.” In einer Gemeinschaft, deren Netzwerke sich rasant in einen immer weiteren Radius spinnen, muss die Medialität des Internets diesem hehren Ansatz genügen.

Der Erfolg erhöht auch den Druck auf das Label – neue Fans, aufmerksam gewordene Kritiker und die jungen Bands, die unermüdlich ihre Demos verschicken, projizieren ihre eigenen Erwartungen und Hoffnungen in Rage of Achilles… Das Rückgrat des Labels jedoch, so betont es Duncan ausdrücklich, sind für ihn die persönlichen Kontakte zu seinen Künstlern – ein Netzwerk, eine internationale Verschwörung des Lärms, mit einem ganz eigenem Moment, das treibt, die Vision nicht aus den Augen zu verlieren.

Duncan steht weit abseits des Korridors, auf dem man unbemerkt zum Agenten fremder Ideale wird, jedoch reflektiert das erstaunliche Veröffentlichungsvolumen, dem Duncan in der zweiten Hälfte dieses Jahres gerecht werden möchte, nichts desto trotz die Evolution eines Labels in all ihren Facetten. “You just wait until Rage Of Achilles hits 2004. This is only the start of something very special indeed. Unbeirrt entlang des left hand path hallen die Schritte schneller.

http://www.discogs.com/Various-Persona-Neon-Grata/release/483162

Wir haben noch ein paar Ausgaben dieser wahnsinnig geilen Limitierten Edition PNG # 59 bei uns im Lager, komplett mit silbergeprägtem Schutzumschlag und zwei exklusiven CDs.

Das Heft kosten 6,00 Euro. Anfragen an abo AT png-online.de